Réédition 1982-2018: Haruomi Hosono – Philharmony

Le premier disque du géant de l’électro japonais, réédité pour nous!

Album : Philharmony
Artiste : Haruomi Hosono

V.O. : 1982; Vinyle; Yen Records; YLR-28001

En Test : 2018; Vinyle en encart

Étiquette : Light In The Attic; LITA 170

Les disques de la série de réédition de Haruomi Hosono étant fort volatiles, il est préférable d’appeler Fréquences directement afin de voir s’il est possible d’obtenir ces disques en édition fort limitée.

Haruomi Hosono est un monstre de la musique japonaise. On ne parle pas que d’un simple quidam, on parle de quelqu’un qui a roulé sa bosse depuis le début des années 70 dans différents styles avant du folk à la musique d’ambiance, avant de s’intéresser de plus en plus à la musique électronique. À la fin des années 70, il fonda le groupe Yellow Magic Orchestra, groupe de musique synth-pop ayant eu un très grand succès au Japon. En 1983, ils arrêtèrent temporairement leurs activités avec Hosono qui démarra son propre studio d’enregistrement et son étiquette de disque. Libre de créer, il sortit quelques disques d’expérimentation synth-pop, dont le premier est Philharmony.

OK, il faut avouer que ce n’est pas facile de décrire ce disque. Ce n’est pas du synthé bonbon, mais en même temps, oui. Ce qui est certain, c’est que ce premier disque n’est pas égal du tout. Chaque pièce musicale est son petit univers. Faisons le tour de quelques faits saillants de la première face :

Picnic, qui fait penser à un précurseur d’Opus 4 de The Art of Noise dans son côté naïf. D’ailleurs, Platonic aurait pu être une très bonne pièce de AoN.
Funiculi Funicura, exploration synthé sur le thème classique de Denza.
Luminescent/Hotaru, qui a clairement servi d’inspiration à Geinō Yamashirogumi pour la trame sonore au film d’animation séminal Akira de 1988.

Je pourrais continuer avec la deuxième face, avec des inspirations New Wave, des pièces plus pop, un Living-Dining-Kitchen clin d’œil à Autobahn de Kraftwerk. Bref : soit il y a des inspirations sur des grands courants ou des grands compositeurs, soit le disque d’Haruomi Hosono a servi d’inspiration à une génération de musiciens.

Côté qualité, bref ce que vous voulez savoir, eh bien c’est un Light In The Attic, ils ont tendance à ne pas faire les choses à moitié. Le disque est très propre (à part une petite usure de matrice sur Picnic dans ma version), la qualité est plus que franche, les fréquences sont bonnes et franches, et on sent que lorsque c’est plus sourd, c’est la faute aux rubans d’origine. En même temps, il y a un peu de bruit de fond, mais avec un tel genre musical qui tend à exacerber des fréquences précises dans un univers stéréophonique, c’est très facile pour un disque de perdre ses moyens. Je n’en fais pas rigueur outre mesure, mais ce n’est pas parfait. N’empêche que quand je vois des disques en réédition qui sont des mauvaises copies, avec aucune information supplémentaire dans une pochette faite à la va-vite, quasi photocopiée, je regarde un tel disque, sorti en encart avec les paroles, une belle stylistique, un obi, un livret avec un interview de 10 pouces, une déférence au matériel et une joie de sortir un tel disque, je me dis que c’est pour ça que parfois, j’aime les rééditions.

2018: Aphex Twin – Collapse

Quatre chansons électros comme un tank!

Album : Collapse (EP)
Artiste : Aphex Twin

En test : 2018; Vinyle; Édition limitée procédé héliophore

Étiquette : Warp Records; WAP423-X

Le disque avec la pochette en procédé héliophore n’est hélas plus disponible. Vous avez toujours accès à la version normale de l’album.

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Je suis un fanatique et avide collectionneur de la collection Prospective 21è Siècle de Philips. Cette collection de musique contemporaine de la fin des années 60 utilise le même procédé héliophore qu’Aphex Twin dans cette édition limitée. Et la ressemblance ne s’arrête pas là. Le compositeur électro possède un penchant exploratoire qui n’est pas sans rappeler certaines des œuvres de la collection initiale. Très étrangement, on peut dire que la roue a fait un tour côté musical : les instruments d’origine et les effets numériques utilisés par Richard D. James arrivent enfin à reproduire une stylistique recherchée par les grands explorateurs du circuit électrique des années 50 et 60. La pièce 1st 44 est tout droit sorti de l’imaginaire de Pierre Henry, l’atonalité de certains mouvements, la sonorité violente des filtres faisant penser à l’époque des trackers électroniques de l’Amiga de la fin des années 80, mais en de plus haute qualité. Le clin d’œil à des ambiances feutrées, mais pesantes à la The Art Of Noise, le retour à une vision plus sombre et hors des sentiers des quatre temps habituels comme on retrouvait dans les premières compositions de Aphex Twin, un retour aux sources en quelque sorte. C’est tout un album à écouter.

Et la sonorité du disque vinyle est aussi grande que la prémisse du disque. Il ne manque pas de fréquences, de la basse ultra-grave aux aigus laissant présager du glitch sans y être, c’est un très bon album à écouter si vous avez un caisson d’extrêmes-graves et des bons haut-parleurs. Je n’ai absolument rien à redire du début à la fin. Ah, tiens, si, un petit manquement de fréquences à cause d’une descente aux enfers à des niveaux de moins de 20 hertz, qui cause les hautes fréquences à être réduites légèrement dans le matriçage. Beau Thomas a dû s’arracher les cheveux!

2018: Les Beaux Sans-Cœur – Ton corps est déjà froid

Pierre Lapointe, version rock!

Album : Ton corps est déjà froid
Artiste : Les beaux sans-cœur

En test : 2018; Vinyle; Album en encart

Étiquette : Audiogram; ADCD 10413

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Notre chansonnier déjanté est de retour avec un autre bel album de ballades doucereuses avec une touche yéyé, des paroles d’amour qui donnent le goût de chanter la pomme à sa douce. Ah… tiens… non! Cette fois-ci, c’est du gros rock très sale, violent, des chansons grivoises. Un tout petit exemple de parole : 1-2-3-4 j’aimerais te prendre à quatre pattes ! Mais ça vous donne une idée : il y a bien la voix de Lapointe, mais ça s’arrête ici! C’est un anachronisme a A à Z, en fait, ça serait un anachronisme si ce n’était de ce qu’on connaît de Pierre Lapointe : il faut s’attendre à se faire décoiffer par ce dernier. Et pour ça, c’est réussi!

On a la sonorité du tapis en shag dans le sous-sol de ses parents avec le bar en bois; on a les petites chansons style punk rock aux paroles sorties de son adolescence; on a la porte de garage ouverte parce que ça joue trop fort et qu’on désire que les voisins l’entendent de toute façon; on a le gros spazz de neuf minutes du décompte avec solos en prime. C’est l’alter ego du yéyé propret des sous-sols d’église de ses autres albums. C’est un gros bonbon de plaisir.

Et côté sonorité, récemment, Pierre Lapointe nous a habitués à des albums parfaitement enregistrés avec une sonorité impeccable. C’est totalement l’opposé ici : si le yéyé est propre, le rock de garage est sale, lourd, tape fort, n’est pas clair du tout. C’est de la grosse déchire. En fait, je dirais en comparatifs que le disque vinyle est presque identique à la version numérique, avec un peu moins de compression sur les kick drums, mais avec un assourdissement d’un disque qui a été saturé. Le vinyle ne respire pas, est moins stéréo, manque de définition. C’est comme s’ils avaient pris la même matrice numérique pour le vinyle et pour le CD, et qu’ils l’avaient aplati pour le faire entrer sur deux faces. Et pourtant, ce n’est pas comme s’il n’y avait pas d’espace. Bref : je ne sais pas, je ne comprends pas, ça aurait pu fesser dans le dash tellement plus fort que ça. Mais non. On adore l’objet, on ira sur le CD pour le moment!

PS : je me suis concentré sur le chanteur ici, mais les musiciens de ce groupe sont en feu, ce sont tous, individuellement, des bombes! Et je ne désire pas passer sous silence la contribution du grand, Philippe Brault. Ces deux-là, ensemble, sont fous!

King Gizzard le passé enfin réédité!!!

5 albums très difficiles à trouver et essentiels pour les fans du groupe seront réédités le vendredi 2 novembre prochain. Festival de la couleur psychédélique, pochettes funky et emballages améliorés. Pré-commandes web et réservations en magasin fortement suggérées en cliquant sur l’image. On a aussi bien pris le temps de bourrer les fiches de chaque album de détails pertinents!

 

1985: Zipper – Zip

New Wave Progressif québécois des années 80!

Album: Zip
Artiste: Zipper

En Test: 1985; Vinyle

Étiquette: La Collection; P.C.R. 850315

Ce disque est une rareté d’il y a 30 ans. Il se trouve parfois en disque usagé si vous êtes chanceux!

Ce groupe méconnu de Québec est un peu un anachronisme dans le milieu musical québécois. Non seulement le groupe faisait dans un style de new wave plus rock qu’électro, mais il a été produit et enregistré par feu le grand Denis Champoux, auteur-compositeur-interprète tout d’abord connu pour son côté rock avec Les Megatones entre autres, mais ensuite pour être tombé en amour avec la musique country d’ici. À partir de ses interprétations personnels, en passant par son étiquette La Collection, mais surtout avec son studio d’enregistrement de Cap Rouge qui a vu passer les plus grands du country, il a été une figure emblématique de la musique québécoise.

Mais il faut aller plus loin que de parler d’une folie de producteur avec Zipper. Les musiciens ont roulé leur bosse de nombreuses années, d’une collaboration à l’autre, d’un groupe à l’autre. Jacques Perron, le guitariste rythmique et homme à tout faire du groupe, a même fait la première partie de Roxy Music au Palais du Commerce de Montréal en novembre 1975. Après sa formation en 1980, le groupe a été sélectionné au concours Ville de Nuit de 1983, pour ensuite faire son premier concert en 1984 au Café Campus où M. Champoux leur proposa de réaliser leur premier disque avec lui. Le disque Zip, leur seul, fût terminé l’année d’après.

Ce disque est en deux parties vraiment distinctes. La première face est plus composée de chansons style pop-rock new-wave, avec des progressions d’accords parfois un peu douteuses, la voix de Richard Fouquet un peu incertaine comme on les aime (que celui qui n’aime pas Men At Work et The Smiths lance la première pierre). La deuxième face est réellement plus dans le style rock progressif, avec un concept se suivant toute la durée du côté de disque, des solos de guitare, etc. On reste dans la musique relativement simple, on ne réinventera pas le 12 cordes ici, mais ça donne une bonne touche et ça paraît que les musiciens s’amusent.

Pour la sonorité, le disque est très bien enregistré et représente bien une ère musicale. C’est exactement un disque des années 80 comme il se doit. C’est aussi un peu générique, on ne sent pas exactement le meilleur arrangement qu’il soit, c’est un disque réalisé en une vingtaine de jours avec les musiciens du bord. On ne sent toutefois pas qu’il manque quoi que ce soit. Ce n’est pas une hyper-production 200 voix de console avec une centaine de rubans par chanson et un chœur triple juste pour la forme, mais ça colle parfaitement bien avec le style du moment, et ce qu’ils désiraient réaliser.

 

Session d’écoute Alexandra Stréliski!

D’accord on l’avoue! Nous avons un faible pour la musique d’Alexandra Stréliski et nous voulons la faire découvrir au plus grand nombre de gens possible. Si vous aimez Max Richter, Chopin, la bande sonore d’Amélie Poulain, Erik Satie, la série de Gonzales au piano solo et bien mademoiselle Stréliski sera votre nouvelle coqueluche! Session d’écoute exclusive en magasin ce vendredi 5 octobre avec de très beaux cadeaux à l’achat du nouveau disque. Apporter votre vin / bière pour un 4 à 7 du début d’automne!

 

2018: First Aid Kit – Tender Offerings

En extra de Ruins!

Album: Tender Offerings
Artiste: First Aid Kit

En Test: 2018; Vinyle 10po 45RPM

Étiquette: Columbia Records; 19075875017

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Acheter le CD « Ruins » chez Fréquences
Acheter le disque vinyle « Ruins » chez Fréquences

Plus tôt cette année, j’avais fait une critique de l’album Ruins des sœurs Söderberg. J’étais resté un peu sur ma faim à propos de l’album côté qualité, les chansons étant chaleureuses et des cris du cœur, mais la sonorité finale du disque étant très froide. C’est un peu comme s’ils m’avaient écouté avec ce petit EP.

On débute avec une longue chanson intimiste, I’ve Wanted You, où la guitare et les voix ressortent très bien; pour ensuite avoir la chanson Tender Offerings, chanson à plus grande échelle. Le deuxième côté est un peu plus «extras de face B», avec des sonorités très différentes, faisant moins un ensemble que le premier côté, mais il y a un petit quelque chose sur ces chansons quand même, seulement la qualité qui y est plus brouillonne.

Si je désirais avoir de l’authenticité et de la chaleur, ceci dit, j’en ai. Bonne qualité, peu de bruit de fond, instruments clairs et beaux. Production inégale, mais il faut s’attendre à ça d’un disque d’extras.

2018: Jain – Souldier

Un numéro un pour la chanteuse Jain!

Album : Souldier
Artiste : Jain

En test : 2018; Vinyle double; 45RPM

Étiquette : Sony, Columbia, Spookland; 19075854101

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En mars, j’avais fait la critique de Zanaka, premier album de Jain (critique que vous retrouverez ici). Ce premier album avait fait partie d’un effort de la part de Columbia de faire connaître l’artiste Jain ailleurs que dans sa France natale. Tant mieux, l’album était en effet très bon. Et pour Souldier, son deuxième album, on y a accès en même temps à travers la planète. La chanteuse poursuit sur sa stylistique Reggae-Jamaïque-Caraïbes, enlève le côté africain, mais y ajoute ici des passages Moyen-Orient et tente un peu le Rap à sa façon toute personnelle, le tout, toujours en anglais. Grand bien lui en fait, celle qui a gagné deux Victoires en 2017 (Meilleur clip et Artiste féminine de l’année) est numéro un des ventes depuis lundi en France et débute le mois prochain une tournée internationale qui nous permettra de l’accueillir au Zénith de Saint-Eustache le 25 octobre 2018.

D’emblée, son premier disque Zanaka était sur un format maximisant la qualité, avec deux faces de dix minutes et deux faces de six minutes en 45 tours. On retrouve le même format avec Souldier, soit dix chansons d’environ trois minutes sur quatre faces en 45 tours. Je n’ai pas grand-chose à redire sur les impressions ni la qualité du matriçage, c’est du gros volume, c’est de la basse à profusion, des instruments francs et nets (mais beaucoup étant numériques), c’est parfaitement utilisable par les DJ.

Là où j’ai, encore une fois, de la difficulté, est où elle persiste et signe avec des faces à deux chansons de trois minutes. Je reste sur mon idée que ce genre de disque aurait pu être mis sur trois faces et de conserver la quatrième pour des versions remixées par des DJ de renom, ou encore une ou deux versions étendues, en direct, bref, une face de chansons éditions spéciales pour les fous qui achètent le vinyle ou pour les clubs désirant faire jouer son disque à tue-tête. En bonus, nous permettre d’écouter le disque plus de six minutes avant d’avoir à se lever pour changer à la face B.

2018: Automatisme – Transit

Retour du glitch et du field recording

Album: Transit
Artiste: Automatisme

En Test: 2018; Vinyle; 180g

Étiquette: Constellation; CST135

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Automatisme est le projet de William Jourdain, connu chez Fréquences comme un des fous vous proposant ses sélections en travail de jour. C’est un passionné de la théorie musicale, de l’exploration, des artistes poussant la note toujours plus loin. Le 1er octobre 2016, j’avais déjà écrit une publication sur son premier album chez Constellation dans le temps que je les faisais sur mon Facebook. Voici cet article (presque) verbatim (avec quelques fautes d’orthographe corrigées) en encart pour ceux qui ont un intérêt.

Automatisme – Momentform Accumulations

OK, je suis violemment biaisé. Pub copinage! C’est le premier album « grand label » et premier vinyle de mon pote William! C’est aussi son disque le plus accessible. Ses premiers disques autogérés étaient excellents, mais beaucoup plus expérimentaux et cérébraux. Cet album est définitivement d’une autre mouture. En fait, cet album ambiant se danse très bien! Le côté glitch est très assumé, mais il est aussi mis en veilleuse par rapport à l’émotion. Un petit côté assumé industriel et Krautrock-ish viennent conclure le deal.

Côté réalisation, ce disque torche des culs. Il a beaucoup de basses, un noise floor très bas, de la force de caractère. Certaines fréquences ont de la difficulté à certains moments et sont difficiles côté phase, la basse très grave est entre chien et loup. Les aigus sont parfois omniprésents, parfois tronqués. Le choix de laisser une bonne quantité de dead wax afin de préserver au maximum les hautes fréquences au détriment des basses est un choix judicieux, surtout que le matriçage met déjà l’emphase sur ces dernières. La gravure est dynamique et les attaques précises, trait nécessaire à ce type de musique.

Longue vie à Automatisme, Constellation Records et William !

Transit, le dernier volume de la part d’Automatisme, est encore une fois relativement accessible, on y retrouve d’ailleurs un peu la signature post-rock réputée de Constellation, mais avec du glitch et de l’électro à la place de la guitare électrique. Les pièces musicales sont regroupées en un grand tableau pour la première face, un peu comme les fresques à la Slow Riot For New Zero Kanada de GY ! BE, et de plus petits tableaux sur la deuxième face. En stylistique, on se fait plonger dans des ambiances différentes, on se laisse emporter dans différents univers connectés ou disjoints, qu’on peut écouter de manière cérébrale ou naïve. Je vous invite d’ailleurs à écouter un documentaire d’un de nos grands compositeurs à ce propos afin de vous guider à l’écoute plus cérébrale du Field Recording.

Côté sonorité, il y a un intérêt à faire une étude comparative entre le premier album commercial d’Automatisme et ce tout dernier, les deux ayant une signature sonore totalement différente. Malgré que ce soit Harris Newman qui ait réalisé les deux matriçages, les albums ne se ressemblent pas du tout. La version téléchargeable de Transit est d’ailleurs aussi d’une différente sonorité que le vinyle. Après une petite enquête auprès de l’intéressé, le disque vinyle a été matricé avec un prérequis différent de la version numérique, là où la compression est plus accentuée afin de permettre une écoute dans des différentes conditions. En comparaison, le premier disque, Momentform Accumulations, a une spatialisation plus simple et des montages avec des niveaux d’interaction moindres. En d’autres mots, si je dois décrire les albums, Momentform est un album typiquement numérique, même en vinyle. Les plages de fréquences changeant constamment de volume étant une preuve de la maximisation numérique préalable au matriçage. En opposition, on a les deux versions avec Transit. Une première accessible en téléchargement, prêt à l’écoute, avec un volume plus égal à travers l’œuvre, mais avec des fréquences plus variables et un effet de gating plus présent, ce qui se traduit en une plus grande présence de chaque instrument et chaque intervention, qui donne un effet dans notre face.

Et la deuxième, accessible en vinyle, est celle qui mérite notre attention pour cet article. Ce n’est pas un travail simple que de faire un matriçage des albums d’Automatisme. Il faut pouvoir décoder qu’est-ce qui est un effet de volume limité voulu, qu’est-ce qui doit ressortir par-dessus le reste, et qu’est-ce qui est un effet incidental au matriçage numérique à volume élevé. Je vous laisse en écoute de Bureau 1, la deuxième partie du tableau de la face A, pour vous faire une idée du travail d’étude de l’œuvre requis. En plus, la première face est fort bien remplie, avec plus de 20 minutes de musique complexe.

Le niveau d’enregistrement du vinyle est beaucoup plus bas que Momentform ou que la version numérique de Transit, mais en contrepartie, on a droit à un beaucoup plus grand dynamisme. On a aussi droit à des mouvements, le premier Bureau 0 débutant avec un volume faible, avec un ajustement marqué mais naturel vers Bureau 1. Les maximisations et limitations de volume sont limitées à quelques parties les nécessitant, dont la finale avec Bureau 3, dont le glitch maximisé fait partie de l’étude de style de la part de Harris Newman. J’y ai trouvé mon pied : quand la basse omniprésente arrive, les autres instruments ne réagissent pas; quand les glitchs apparaissent, on a soit l’impression qu’ils coulent de souche, ou qu’ils viennent détruire l’ordre établi; quand on a des moments de compression sonore sporadique, ils mettent l’emphase sur un événement en particulier. Ces changements sont heureux si on joue le disque avec un volume plus élevé, mais moins avec une écoute d’ambiance. Si vous avez une bonne chaîne stéréo avec un bon caisson d’extrêmes-graves, sautez sur le vinyle! Très belle gravure!

On achète si on aime FenneszSimon ScottThe Synthetic Dream FoundationVladimir ManovskiModeratUwe Schmidt (Lassigue Bendthaus, …).

RSD2018: Matt Holubowski – Epilogue

EP Québ pop folk en deux ambiances!

Album : Epilogue
Artiste : Matt Holubowski

En Test : 2018; vinyle 10po.; 2018 RSD

Étiquette : Audiogram; 190758060415

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La preuve que La Voix peut parfois mener loin, j’écris bien ici à propos de l’artiste montréalais bilingue qui a été dans l’équipe de Pierre Lapointe en 2014-2015, se rendant jusqu’en finale. Matt Holubowski, ayant clairement touché une corde sensible avec les personnes le découvrant, a été signé peu de temps après la saison par Audiogram. C’était une formalité pour ces derniers, le premier disque de 2014 d’Holubowski, « Ogen, Old Man » s’est écoulé à environ 15 000 exemplaires, tous assemblés à la main par l’artiste lui-même.

Plus tard en 2016, Matt Holubowski sortit un premier album avec Audiogram, « Solitudes ». Il est d’ailleurs toujours en tournée avec le matériel de ce dernier. Mais deux années, c’est long. Alors il a tout de même pensé à nous et a produit un beau petit disque étendu, une première face avec deux chansons avec une plus grande orchestration, et une deuxième face avec des chansons plus simples, avec voix, guitare et très peu d’orchestrations.

Pour la qualité, le disque est impeccablement enregistré, très simple, très efficace. En même temps, le médium du disque vinyle a été plus ou moins créé pour ce genre de pièces, ajoutant juste la bonne quantité de chaleur nécessaire à bien rendre cet artiste bien de chez nous. Malgré une dizaine de minutes par face, le disque de dix pouces s’en sort parfaitement bien, la musique étant très disparate, permettant de bien moduler la gravure et de maximiser l’espace utilisé. Le disque n’est donc pas compressé outre mesure, il n’a pas de bruit de fond, ni une coupure forte sur les hautes fréquences. Très bon travail de Marc Thériault au matriçage, lui qui a été sollicité entre autres par Marie-MaiSafia NolinSteve Hill ainsi que par Ariane Moffatt, et ce, cette année uniquement. [Je ne m’étends que rarement sur l’équipe technique, mais je dois mentionner qu’il a effectué le matriçage de l’excellent CD classique New Worlds d’Ana Sokolovic distribué par Analekta — sautez dessus!] De retour sur notre disque après ce petit aparté, en d’autres mots, par design, ce genre de disque est fait pour les disques vinyle, et à moins de travailler très fort pour massacrer le produit final (ce que beaucoup réussissent hélas – d’où l’utilité de ma chronique), le résultat va être excellent. Hâte de voir le prochain disque!