Réédition 1969/2019: The Don Rendell/Ian Carr Quintet – Change Is

… et quel changement!

Artiste: The Don Rendell / Ian Carr Quintet
Album: Change Is

V.O.: 1969; Vinyle; Columbia Records; SCX 6368

En Test: 2019; Vinyle; 180g

Étiquette: Jazzman; EMI
JMANLP 111X

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C’est difficile de surestimer l’importance de ce quintette sur la musique jazz, ou même l’importance de ce disque en particulier. Le jazz possède ce quelque chose d’immanquablement américain, de black, de musique du peuple aussi. C’est une musique issue de la rue, une version grande ville du delta blues. Mais pour tous les grands musiciens de ce bord de l’océan, il y en a quelques-uns qui s’infiltrent de l’autre bord aussi. Le quintette de Don Rendell et de Ian Carr est exactement ça : des musiciens incroyables qui nous invitent dans leur univers disparate.

Et c’est exactement ce que Change Is nous présente : parfois de la musique actuelle, parfois du jazz libre, des thèmes basés sur de la musique rock, parfois des standards britanniques, et même de la musique populaire du temps. C’est britannique avec la tasse de thé, le chapeau melon et la pipe avec les bottes yé-yé et les formes psychédéliques dans le projecteur à huile ; c’est aussi libre qu’une session d’amis qui s’enregistrent ; ça passe de midi à quatorze heures, il y a de tout ! Côté disque, c’est le dernier de participation entre Rendell et Carr, ce dernier démarrant son groupe rock/free jazz Nucleus peu après. C’est aussi le premier disque du clarinettiste Stan Robinson, autre grand musicien ayant une longue carrière avant et après ce disque.

Et pour le vinyle, cette série de rééditions de 2019 est une incroyable bombe ! 50 ans après la sortie initiale, le disque d’origine, jamais réédité en vinyle, se vend à des prix stratosphériques. L’unique version CD nous proposant l’unique autre chance d’obtenir ce chef-d’œuvre. Pour donner une idée, l’édition trop limitée de mille copies des cinq disques se vend dans les 500 $… Bref : que vous détestiez ou non la version, c’est ce que vous allez avoir. Et nous sommes chanceux, le disque est extraordinaire ! Reste que la prise de son initiale est un peu chambranlante, avec des volumes qui augmentent et descendent au gré de la musique qui s’y joue, mais on parle ici du matériel source. Quel travail de Colin Young à la restauration et Alex Wharton au rematriçage ! On pardonnera les petits côtés avec les percussions ressortant les transitoires de façon exacerbée pour faire plaisir aux audiophiles, et on se concentrera sur le matériel musical sublime.

Une collection à avoir !

Qualité du vinyle: 9/10 et pour un Jazzman, c’est inespéré!

Réédition 1967/RSD2018: Pink Floyd – The Piper At the Gates Of Dawn

Syd Barrett, point.

Album : The Piper At The Gates Of Dawn
Artiste : Pink Floyd

V.O. : 1967; vinyle; Capitol; SX 6242; Mono

Version stéréo en test : 1983; vinyle; Capitol/EMI (Canada); ST 6242; Stéréo

En Test : RSD2018; vinyle 180g; Mono

Étiquette : Pink Floyd Records, Columbia; PFRLP26

Ce disque mono n’est hélas plus disponible

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Il fallait bien trois étudiants en architecture (Waters, Wright, Mason) et un étudiant en art (Barrett) pour créer un tel groupe musical. Pink Floyd est aussi improbable qu’imposant dans la sphère musicale, avec une sonorité d’abord psychédélique, ensuite progressive, à couper le souffle. Un peu comme pour les thèmes de James Bond, on peut retrouver un concentré de tout ce qui fait Pink Floyd sur la toute première chanson, Astronomy Dominé. Cette dernière, avec sa progression d’accords étranges (Mi maj., Mi♭ maj, Sol maj et La maj), a servi de précurseur stylistique à une majorité des albums subséquents. Le style s’est affiné : les agencements classiques, les albums concepts, une approche plus ambiante, mais surtout une poussée vers le monde plus progressif, et moins psychédélique. Le côté fou s’est éteint après ce premier album : Syd Barrett, élément artistique fou de ce premier album, s’est fait montrer la porte une année après sa sortie.

Disque original canadien en stéréo avec nouvelle version en arrière-plan

Ce premier album est en quelque sorte un disque unique dans la discographie de Pink Floyd, avec non seulement l’exubérance et le talent sans retenue qu’on retrouve dans les premières offrandes des groupes musicaux, mais aussi comme seul disque ayant Syd Barrett comme auteur-compositeur-guitariste-chanteur principal. Beaucoup disent qu’il y a l’avant et le après. Un peu comme pour Genesis avec et sans Peter Gabriel. Les autres albums, commençant avec A Saucerful Of Secrets, tentent de poursuivre sur une veine similaire, mais on sent que le côté architecture devient omniprésent : on a droit à des constructions de plus en plus étoffées, des paysages où les thèmes sont savamment annoncés. Le rock progressif ne sera plus jamais le même! Il faut toutefois se rappeler cette folie avant-gardiste qui est au cœur du groupe. Et il faut se rappeler aussi que même si le groupe désirait plus ou moins tuer Barrett tellement il devenait impossible de travailler avec lui, ils savaient fort bien à quel point ils laissaient partir un génie musical. On le voit avec la finale de A Saucerful…, qui a été laissée à ce dernier avec Jugband Blues.

Et cet album mono? La première version de l’album a été sortie tout d’abord en mono, et quelques mois plus tard en stéréo à travers le monde. Si je compare la version stéréo originale (Canada) versus la version mono retravaillée par James Guthrie, Joel Plante et Bernie Grundman, le côté stéréo ajoute le psychédélisme ambiant de 1967… mais la musique n’en a pas toujours besoin, certains des effets stéréo étant carrément un peu faits à la va-vite avec trop de drogue fumée. Si je prends Interstellar Overdrive, chef d’œuvre hard rock psychédélique, on n’a définitivement pas besoin de stéréo. Mais d’autres chansons un peu plus posées, telles que The Gnome, en bénéficient. C’est donc comme pour les albums des Beatles, parfois, le Mono est génial, parfois, c’est les Stéréo. Mais peu importe ce que vous préférez avoir, l’album mono a été retravaillé en main de maître : la présence, la force, la qualité, les détails, la stylistique, tout y est pour se retrouver dans les années « 60, mais avec des techniques modernes. On sent que le ruban a eu quelques pertes parfois, mais c’est très peu présent. C’est une extraordinaire version!

[NDLA: Merci à un fidèle lecteur d’avoir fait une correction selon l’image de mon disque de 1983. J’avais indiqué que la version stéréo était un disque de 1967, mais c’était bien la version canadienne de 1983 – on ne peut pas en passer de petites vites!]

Réédition 1993/RSD2018: Jesus Jones – Zeroes + Ones

Traitement royal pour une excellente chanson breakbeat!

Album: 00+11×25 [Zeroes + Ones 25th Anniversary]

Artiste: Jesus Jones
Remix de: Aphex Twin, The Prodigy

V.O.: 1993 Vinyle; FOOD, EMI; 12FOOD44

En Test: 2018 Vinyle transparent 45RPM, édition RSD limitée à 1000 exemplaires

Étiquette: Razor & Tie; RZR00373

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Pour un one-hit wonder sur une autre chanson, c’est tout un traitement! Le groupe a été connu surtout pour sa superbe chanson Right Here, Right Now, qui a été un succès international instantané. Ils ont aussi eus quelques autres succès plus locaux. Mais ce qui fait fait mal, c’est la chanson Zeroes + Ones! Mélange de breakbeat, électro-clash violent, IDM avant son temps, synthés à profusion, avec une voix suave à la Tears for Fears, c’est tout un mélange. Cette chanson a fait ses heures dans tous les clubs alternatifs de la planète. Jugez par vous-même.

Et ce disque, c’est la version à avoir à cause des remix. Les deux chansons ambiantes, planantes, de Aphex Twin, qui n’ont plus rien à voir avec la version originale, sont des chef d’œuvres du genre. Et sur l’autre face, que dire de la version de The Prodigy, à faire jouer à tue-tête (attention à vos haut parleurs et caissons d’extrême graves, si vous désirez vous rendre avec assez de volume pour les aigus, vous allez devoir y aller avec des millier de watts de déscelleurs de fondation de maison)? Finalement, la dernière piste est quelque chose de spécial: c’est la chanson originale, mais sans paroles! C’est la version envoyée en démo de la chanson, qui n’a jamais été sortie grand public auparavant. Donc, vous n’aurez pas la chanson Zeroes And Ones sur la sortie 25e anniversaire de Zeroes And Ones!

Côté qualité, c’est à planer pour le Aphex Twin, c’est avec une basse tonitruante pour le Prodigy (peut-être un peu sourd, je me serais laissé une petite gène et aurais mis la pédale légèrement plus douce à ce niveau), et c’est avec une très belle balance qui ne fait pas crisper des oreilles pour l’instrumental, mais qui déchire amplement. Tout ce qu’on pourrait demander!

Réédition: Radiohead – OK Computer – OKNOTOK 1997 2017

Comment réinventer un succès de 20 ans?

Album : OK Computer – OKNOTOK 1997 2017
Artiste : Radiohead

V.O. : 1997 OK Computer, Vinyle double en encart
Parlophone 7243 8 55229 1 8

En test : 2017 Vinyle triple en encart, bleu édition limitée

Étiquette : XL Recordings
XLLP868

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Radiohead, c’est un peu le groupe des années 1990-2000. Ils ont innové, créé, étaient écoutés par toutes et tous. La majeure partie de leurs albums sont devenus des succès ou ont eu des succès. C’est définitivement vrai pour leur album OK Computer, mais aussi pour leurs autres albums tels que Pablo Honey et The Bends qui sont leurs deux premiers albums, beaucoup plus rock et alternatifs, Kid A, Amnesiac et Hail To The Thief qui ont réinventé leur genre, toujours plus forts et # 1, mais aussi des albums plus récents tel que In Rainbows et leur tout dernier, A Moon Shaped Pool qui a renoué avec le succès. OK Computer est leur premier album à avoir goûté au # 1 aux UK et Kid A, l’album suivant, a été # 1 aux US aussi.

Alors, comment réinventer un tel monstre? Toutes les versions ont étés sorties, ont étés créées, ont étés recréées, modifiées, remixées. On ne peut juste pas changer la perfection non plus, OK Computer est un disque archiconnu. Et d’appeler ce disque OKNOTOK donne une idée du concept : oui il s’agit d’OK Computer, mais en même temps, ce n’est pas le disque d’origine et il y a des extras. Mais de faire des extras sur un tel disque est l’équivalent d’ajouter des chansons dans le milieu de Dark Side Of The Moon : c’est mieux simplement de ne pas essayer! Et pourtant… lors de la sortie du disque d’origine, ils avaient bien évidemment trop de matériel ainsi que quelques bijoux en réserve, qui s’est avérée être restée dans les faces B de leurs disques et qui n’a jamais eu la chance de briller par lui-même. Non seulement ils ont refait les disques, mais ils ont donc ajouté un disque complet de faces B nécessaires selon eux. Ça augure très bien pour la comparaison : une nouvelle étiquette de disques (XL Recordings que j’adore) et un concept de réappropriation de l’album.

En même temps, OK Computer est un le leurs rares albums que je n’ai jamais achetés en vinyle! J’ai beaucoup des autres, j’ai une section entière qui est consacrée à Radiohead, mais je n’ai pas celui-là. Trop commercial à mon goût? En même temps, avec toutes ces chansons qui sont devenues des succès… Bref, je ne pourrai pas faire une critique comparative directe, hélas. Mais je peux comparer avec d’autres choses.

Album : Karma Police EP1

En test : 2009 Simple en vinyle, 12″ 45RPM 180G
Capitol Records 509996 93535 12

Versions ultimes de leurs grands succès, Capitol (EMI, Parlophone) a ressorti les plus grands succès de Radiohead en versions simples 12 pouces 45 tours, sans aucun artifice. La chanson, le simple, tel quel, sans modification, sur un disque vinyle de la meilleure qualité, avec le volume maximal, en 45 tours. Le parfait pied. Je dirais d’avance que c’est impossible d’avoir une meilleure qualité que ces versions. La seule façon d’avoir mieux serait une copie en ruban 30 pouces secondes directement de la bande maîtresse d’origine.

Album : The Best Of

En test : 2008 Boîtier quadruple vinyle
Parlophone 212 1071

Le plus près que je peux avoir de l’album double d’origine est le superbe boîtier The Best Of, qui contient tous leurs succès et qui a été édité par Parlophone UK. Il y a à peu près autant de matériel que la version XL en test par vinyle et autant de déférence apportée au matériel.

Bon alors… cette critique! Eh bien… l’album n’a absolument pas la même sonorité que The Best Of. Il y a eu un travail violent et critique d’effectué sur les bandes d’origine par le royal Bob Ludwig, qui y a appliqué des heures, ça paraît. Si je prends le disque The Best Of, je dirais que la version serait cotée dans mes meilleurs disques si les autres versions n’avaient pas existé, la sonorité est superbe et c’est comme ressortir des vieilles pantoufles, mais en comparaison, c’est un peu boueux comme sonorité, il y a un voile devant les pièces musicales. Si je saute sur les versions 45 tours en simple, il n’y a définitivement pas ce voile, c’est simplement prestigieux comme sonorité. Et si je retourne à OKNOTOK, je vais avoir un peu le meilleur des deux mondes, la sonorité n’a pas ce voile et la qualité est fantastique, c’est une réinterprétation moderne des pièces telles qu’on les connaît, on les redécouvre. On les redécouvre peut-être juste un peu trop à mon avis, avec quelques variations de compresseur dans la sonorité qui peut parfois ennuyer l’oreille, carence que je n’ai pas sur les autres versions.

Et c’est à peu près la seule chose que j’ai à redire sur l’album! La version qui nous est présentée est absolument impeccable, le matériel supplémentaire est génial, l’album d’origine a droit à un nettoyage nécessaire après 20 ans dans les voutes, le disque est beau, la pochette est superbe. C’est… wow!

Après avoir écrit cette critique, je suis allé voir ce que les collègues ont écrit sur ce disque. Tout le monde a eu une appréhension au début et tous sont ressortis pantois de l’expérience. Celle qui parle le plus pour moi est cette critique: