Réédition 2001-2015: Mononc’ Serge – Mon Voyage Au Canada

Une expérience de fédéralisme extrême en vinyle!

Bon 150e du Canada!

Album : Mon Voyage Au Canada
Artiste : Mononc’ Serge

V.O. : 2001 CD
Indépendant, MON2-1599

En Test : 2015 Vinyle double

Étiquette : Indépendant
MON5-1599

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Depuis que j’ai fait la sono de son spectacle au Collège Lionel-Groulx, il y a bien des années, je suis devenu admirateur de Mononc’ Serge. Tout d’abord un sympathique personnage, mais surtout un excellent musicien, très bon compositeur, de la joie de vivre et prêt à jouer absolument tout. On l’a bien connu comme étant le premier bassiste des Colocs, mais surtout qu’il était beaucoup plus wild que Les Colocs, qui eux-mêmes n’étaient pas des enfants de chœur. Alors il démarra sa carrière solo bien rapidement, avec spectacles radio et en 2000, un premier album adéquatement intitulé 13 Tounes Trash, qui inclut le succès Marijuana. Le bassiste continua sa lancée trash avec son album Mon Voyage Au Canada avant de participer à des collaborations avec le groupe trash Anonymus sur des albums franchement exceptionnels. Je vais devoir vous parler de leur excellent Musique Barbare qui a aussi eu droit à un retour sur vinyle.

Enfin donc, c’est un artiste trash, et c’est un album trash. Et c’est un album plein d’excellentes chansons toutes plus trash les unes que les autres. Si on s’attend à de la subtilité dans les textes, on n’en trouvera pas beaucoup. Si on s’attend à des compositions hors pair qui nous font danser dans le mosh pit et qui nous font être heureux de la vie, avec des superbes musiciens, ça par contre, on va le trouver. Certaines font carrément penser à du Tom Waits (La Police, B-2)

Et si on achète le disque vinyle double? On va se retrouver avec un album majestueusement gravé, une douzaine de minutes par face au maximum, de la qualité, de la précision, de la plage dynamique, des instruments beaux et honnêtes. Mais aussi une pointe de distorsion lorsque ça joue trop fort hélas, comme sur la chanson Fourrer (B-3) qui a ce petit crépitement dans les moments déjantés qui me fait douter de la provenance numérique de l’album. N’empêche qu’Éric Arbour a effectué un superbe travail au matriçage et je n’ai rien à redire à un album autoproduit qui a autant de mordant dans le son comme dans les propos.

 

Réédition 1997-2017: Wu-Tang Clan – Wu-Tang Forever

The revolution will be televised

Album : Wu-Tang Forever
Artiste : Wu-Tang Clan

V.O. : 1997 Vinyle quadruple
RCA, Loud Records 07863-66905-1

En Test; 2017 Vinyle quadruple

Étiquette : Sony Music, Loud Records
88985417941

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Petit cours d’histoire. En 1992, le Wu-Tang Clan est apparu sur le marché en tant que collectif hip-hop de Staten Island, New York, ayant un certain succès localement. Toutefois, leur premier disque n’est apparu qu’en 1993 après avoir trouvé une étiquette qui leur permettrait d’être signés en tant que collectif, mais de pouvoir avoir d’autres étiquettes pour les membres individuels. Ce premier disque est un des premiers et meilleurs disques de gangsta rap, Enter The Wu-Tang (36 Chambers). Les autres étiquettes qui n’ont pas voulu leur permettre de sortir du matériel ailleurs ont dû s’en mordre les doigts! Ce collectif, fier représentant East Coast du hip-hop, est composé de personnes habituellement méconnues, mais qui avec ce premier disque ont connu un succès retentissant, démarrant leurs carrières individuelles respectives, ou dans certains cas, comme The RZA qui avait quelques productions à son actif, de les propulser dans la stratosphère. Si je me permets une petite critique de Enter The Wu-Tang, le disque n’est disponible qu’en disque simple avec presque 30 minutes de matériel par face. Une version 3 ou 4 faces serait appréciée afin de laisser le matériel respirer un peu. Il s’agit de superbes pièces, mais elles sont hyper compressées et ont un bruit de fond conséquent sur le vinyle. Il existe une version de l’an passé en six disques 45 tours, je dirais que c’est cette version qui est présentement l’ultime version, mais ça ne devrait pas l’être.

Et ce disque, Wu-Tang Forever, arrivant quatre années plus tard, est la suite logique du premier disque. Avec ces années de production individuelle et en collectif, ils sont plus incisifs individuellement et plus directs dans leurs interventions. Le groupe migrant tranquillement vers le hardcore, les artistes individuels créant leurs propres sous-genres (mafioso, thug, gangsta). Ça en dit beaucoup aussi sur l’industrie de la musique en sachant que beaucoup des artistes susmentionnés n’étaient pas réellement des mauvais garçons, mais le sont devenus en devenant ce qu’ils chantaient. L’occasion fait le larron. Mais ce deuxième disque double durant près de deux heures est un disque tout aussi séminal que Enter The Wu-Tang. Ce disque a scellé l’issue du collectif, finissant de les projeter dans les hautes sphères. Si les détracteurs du premier pouvaient rire d’eux en tant que one-trick pony, ce disque a prouvé à tous qu’ils étaient capables de sortir du très bon matériel à profusion. Leur troisième, The W, a poursuivi cette lancée stratosphérique.

Et Wu-Tang Forever, c’est bon sur vinyle? Contrairement à Enter The Wu-Tang, Wu-Tang Forever a toujours profité d’amplement d’espace sur le vinyle afin de sortir toute la qualité nécessaire. Ses quatre disques, même en 1997, permettent à la musique de sortir avec force et conviction. Mais attention, les versions ne sont pas toutes égales. La première version de 1997 est excellente, mais n’a pas eu droit à un matriçage adéquat pour le vinyle, certaines fréquences sont incisives et difficiles à écouter. La version de 2014 (Music On Vinyl) est encore pire. La version Sony Legacy de 2017 est équivalente à la version de 1997. En fait, on voit le modèle dans leurs sorties de disques : les vinyles sortent de nouveau vingt années après l’original en qualité adéquate, mais sans toucher au matériel initial, sans toucher au matriçage, sans en modifier une seule fréquence. Ce sont des reissue et non pas des remaster.

Mais si je l’écoute, c’est le pied? C’est difficile à dire encore une fois. Si vous avez une version à acheter, j’opte pour celle-ci de 2017, vu qu’elle est parfaitement propre, belle, une bonne sonorité et une compression maîtrisée comparativement à la version numérique qui est juste forte. Mais de savoir si vous êtes capables d’écouter le disque avec qualité va dépendre uniquement de votre aiguille. Si vous n’avez pas une SFL, VdH ou une aiguille spécialisée pour sortir des très hautes fréquences à haut volume, le disque sera parfois inécoutable. On a qu’à penser à la sibilance extrême de CappaDonna dans For Heavens Sake (B-2), qui est métallique, forte et crue sur la version numérique, et qui ressort en fréquences aiguës absolument inadéquates pour la reproduction en vinyle et je plains les gens qui ont des aiguilles conventionnelles. Et la version Legacy semble avoir un filtre d’emphase qui a été ajouté aux hautes fréquences, ça sonne plus brillant que les autres disques, alors ça n’aide pas les aiguilles à aimer les hautes fréquences du disque. En tant que tel, je vais ajouter ce disque dans mes vinyles à torture de table tournante.

2012: Kid Koala – 12 bit Blues; 2017: Music To Draw To: satellite

Blues en échantillonnage? You bet! Ambiance en turntablism: encore mieux!

Album : 12 bit Blues
Artiste : Kid Koala

En Test : 2012 Vinyle double en encart (sans les extras)

Étiquette : Ninja Tune
ZEN190

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Je me fais plaisir avec un programme double de turntablism avec un des meilleurs disques de scratch et d’échantillonnage soit l’avant-dernière offrande de Kid Koala : 12 bit Blues. Kid Koala est un génie de Vancouver, qui a habité à Montréal, reconnu à travers le monde pour la qualité de ses productions. Il a commencé à composer et à faire du scratch dans les années 90, a signé avec Ninja Tunes en 95, et depuis l’an 2000, il produit des disques toujours plus épatants les uns que les autres.

Mais cékwaça? C’est un disque de blues tout ce qu’il y a de plus traditionnel, lent, triste, mais aussi refait et réinventé à la sauce scratch. Chaque composante a été tirée d’un autre univers musical et intégré, en boucle ou retravaillé, à l’aide d’une table tournante ou d’un synthé, mais la sonorité n’est pas pure. Le travail du turntablist est de prendre une pièce musicale, d’en extraire l’essence et de nous le présenter d’une façon où nous pouvons comprendre ce qu’il recherche et ressent avec cet extrait. C’est tout ce travail de recherche, de découverte et de présentation qui nous est montré ici, sous sa plus simple expression.

Et en tant que turntablist, il faut s’entendre, la seule et unique façon d’écouter ce genre de disque, c’est en vinyle! Ce qu’il produit est fait pour être remixé et être utilisé, mais aussi c’est fait pour être écouté. Alors pour ce disque, chaque face possède 8-12 minutes de matériel, pleine qualité, de la basse à profusion, des fréquences pures, du très beau travail. C’est un disque fantastique à écouter! Il n’y a aucune comparaison entre le vinyle et la version numérique, le vinyle l’emporte haut la main et à plate couture. Le vinyle laisse haletant.

Album: Music To Draw To: Satellite
Artistes: Kid Koala feat. Emilíana Torrini

En Test: 2017 Vinyle double

Étiquette: Arts & Crafts
A&C 129

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Comme ils diraient chez les Monties, And now, for something completely different! Comme on l’a vu avec 12 bit blues, Kid Koala n’a pas que des platines de disques qui jouent. Il y a de la composition, de l’échantillonnage, de la création. Ce disque avec Emilíana Torrini est de la musique purement ambiante, des ambiances sonores encore une fois. Même la voix de Torrini est apaisante, n’est pas là pour déranger. Mélange de musique de relaxation et musique active où on se fait légèrement solliciter d’une façon contrôlée, l’album est parfait afin de le garder en sourdine lorsqu’on désire se concentrer sur une autre tâche, tel que le dessin. Mais c’est aussi une musique sur laquelle on peut laisser se porter et lâcher prise sur les paroles et ce qui nous est proposé en tant que contenu musical.

Pour le disque vinyle, il est un peu moins bon que le Ninja Tune. On remarque dès les quelques premières paroles dans Adrift que la voix de Torrini a tendance à écrêter numériquement dans les moments plus forts. Le disque est un peu plus bruyant malgré le fait que ce soit un disque double et que le volume aurait pu être au rendez-vous. Ça sent le master numérique envoyé à GZ directement avec mention de le graver sur un disque double. Reste que le disque est parfaitement beau à l’écoute, est doux, généreux, consensuel, comme il doit l’être pour ce genre de musique. Mais je vais plus opter pour la version numérique de ce disque, surtout qu’on doit changer de face régulièrement, ce qui brise l’envie de travailler. Oh … et dernier détail de crime de lèse-majesté: avoir tout l’espace du monde (12po) pour réaliser un superbe livret dans un encart et préférer mettre le livret du CD inséré sans déférence dans la pochette du vinyle.

On achète si on aime Cut Chemist (et Coldcut bien sûr), DJ Kentaro, Peanut Butter Wolf, Deltron 3030, Danger Mouse.

Réédition: Radiohead – OK Computer – OKNOTOK 1997 2017

Comment réinventer un succès de 20 ans?

Album : OK Computer – OKNOTOK 1997 2017
Artiste : Radiohead

V.O. : 1997 OK Computer, Vinyle double en encart
Parlophone 7243 8 55229 1 8

En test : 2017 Vinyle triple en encart, bleu édition limitée

Étiquette : XL Recordings
XLLP868

Acheter le disque vinyle triple bleu chez Fréquences pendant qu’il en reste et qu’il ne sera pas hors de prix.

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Radiohead, c’est un peu le groupe des années 1990-2000. Ils ont innové, créé, étaient écoutés par toutes et tous. La majeure partie de leurs albums sont devenus des succès ou ont eu des succès. C’est définitivement vrai pour leur album OK Computer, mais aussi pour leurs autres albums tels que Pablo Honey et The Bends qui sont leurs deux premiers albums, beaucoup plus rock et alternatifs, Kid A, Amnesiac et Hail To The Thief qui ont réinventé leur genre, toujours plus forts et # 1, mais aussi des albums plus récents tel que In Rainbows et leur tout dernier, A Moon Shaped Pool qui a renoué avec le succès. OK Computer est leur premier album à avoir goûté au # 1 aux UK et Kid A, l’album suivant, a été # 1 aux US aussi.

Alors, comment réinventer un tel monstre? Toutes les versions ont étés sorties, ont étés créées, ont étés recréées, modifiées, remixées. On ne peut juste pas changer la perfection non plus, OK Computer est un disque archiconnu. Et d’appeler ce disque OKNOTOK donne une idée du concept : oui il s’agit d’OK Computer, mais en même temps, ce n’est pas le disque d’origine et il y a des extras. Mais de faire des extras sur un tel disque est l’équivalent d’ajouter des chansons dans le milieu de Dark Side Of The Moon : c’est mieux simplement de ne pas essayer! Et pourtant… lors de la sortie du disque d’origine, ils avaient bien évidemment trop de matériel ainsi que quelques bijoux en réserve, qui s’est avérée être restée dans les faces B de leurs disques et qui n’a jamais eu la chance de briller par lui-même. Non seulement ils ont refait les disques, mais ils ont donc ajouté un disque complet de faces B nécessaires selon eux. Ça augure très bien pour la comparaison : une nouvelle étiquette de disques (XL Recordings que j’adore) et un concept de réappropriation de l’album.

En même temps, OK Computer est un le leurs rares albums que je n’ai jamais achetés en vinyle! J’ai beaucoup des autres, j’ai une section entière qui est consacrée à Radiohead, mais je n’ai pas celui-là. Trop commercial à mon goût? En même temps, avec toutes ces chansons qui sont devenues des succès… Bref, je ne pourrai pas faire une critique comparative directe, hélas. Mais je peux comparer avec d’autres choses.

Album : Karma Police EP1

En test : 2009 Simple en vinyle, 12″ 45RPM 180G
Capitol Records 509996 93535 12

Versions ultimes de leurs grands succès, Capitol (EMI, Parlophone) a ressorti les plus grands succès de Radiohead en versions simples 12 pouces 45 tours, sans aucun artifice. La chanson, le simple, tel quel, sans modification, sur un disque vinyle de la meilleure qualité, avec le volume maximal, en 45 tours. Le parfait pied. Je dirais d’avance que c’est impossible d’avoir une meilleure qualité que ces versions. La seule façon d’avoir mieux serait une copie en ruban 30 pouces secondes directement de la bande maîtresse d’origine.

Album : The Best Of

En test : 2008 Boîtier quadruple vinyle
Parlophone 212 1071

Le plus près que je peux avoir de l’album double d’origine est le superbe boîtier The Best Of, qui contient tous leurs succès et qui a été édité par Parlophone UK. Il y a à peu près autant de matériel que la version XL en test par vinyle et autant de déférence apportée au matériel.

Bon alors… cette critique! Eh bien… l’album n’a absolument pas la même sonorité que The Best Of. Il y a eu un travail violent et critique d’effectué sur les bandes d’origine par le royal Bob Ludwig, qui y a appliqué des heures, ça paraît. Si je prends le disque The Best Of, je dirais que la version serait cotée dans mes meilleurs disques si les autres versions n’avaient pas existé, la sonorité est superbe et c’est comme ressortir des vieilles pantoufles, mais en comparaison, c’est un peu boueux comme sonorité, il y a un voile devant les pièces musicales. Si je saute sur les versions 45 tours en simple, il n’y a définitivement pas ce voile, c’est simplement prestigieux comme sonorité. Et si je retourne à OKNOTOK, je vais avoir un peu le meilleur des deux mondes, la sonorité n’a pas ce voile et la qualité est fantastique, c’est une réinterprétation moderne des pièces telles qu’on les connaît, on les redécouvre. On les redécouvre peut-être juste un peu trop à mon avis, avec quelques variations de compresseur dans la sonorité qui peut parfois ennuyer l’oreille, carence que je n’ai pas sur les autres versions.

Et c’est à peu près la seule chose que j’ai à redire sur l’album! La version qui nous est présentée est absolument impeccable, le matériel supplémentaire est génial, l’album d’origine a droit à un nettoyage nécessaire après 20 ans dans les voutes, le disque est beau, la pochette est superbe. C’est… wow!

Après avoir écrit cette critique, je suis allé voir ce que les collègues ont écrit sur ce disque. Tout le monde a eu une appréhension au début et tous sont ressortis pantois de l’expérience. Celle qui parle le plus pour moi est cette critique:

2016: Les Goules – Coma; 2006/2017: Avec pas d’casque – Trois Chaudières de Sang

Écris écris tape tape, j’enverrai pas d’article à soir, j’m’en va aux courses!

Bonne St-Jean!

Album : Coma
Artiste : Les Goules

En Test : 2016 Vinyle jaune

Étiquette : Duprince
DUPR004

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L’an passé, Keith Kouna nous a lâché une de ces bombes à retardement! Le retour du groupe punk rock Les Goules après 6 ans de pause. Durant cette pause, Kouna a sorti un premier album rock, un deuxième album pop rock qui a gagné prix et reconnaissance, et finalement un troisième album chansons vs classique absolument incroyable. Là, ça va faire!, il retourne à ses anciennes amours du punk rock avec des paroles crues, de la grosse guitare et une batterie bien sentie.

Et si vous pensez que Schubert et Punk Rock vont bien ensemble, vous n’avez pas trop tort. Son album Le Voyage d’Hiver, toujours pas disponible en vinyle, est un hommage à Die Winterreise, travaillé avec le fantastique et fort actuel René Lussier. Très introspectif, très déférent, beau. Et après… Coma! Punk rock. Violence! Et un superbe vinyle, de très bonne qualité. Bon, c’est compressé, c’est certain, c’est du punk rock. Mais la qualité sonore est absolument exemplaire pour le style. La gravure est propre, la sonorité est forte, met en valeur tous les instruments et la voix unique de Kouna (dont la chanson Piranhas fait penser à Ça Plane Pour Moi de Plastic Bertrand, autant en stylistique qu’en voix), ça paraît réellement qu’il a pris du poil de la bête pour la qualité sonore. Bref : si vous aimez le punk queb, c’est le disque à avoir. Malade!

On achète si on aime … faites vous donc plaisir et allez écouter un groupe punk rock underground, ce n’est pas ça qui manque au Québec, on aime le genre et il y a plein d’artistes qui ne demandent que ça de faire des spectacles et vous vendre leurs disques.

Mais ok… mettons que j’aime pas ça moé la musique «de vomi»?

Album : Trois Chaudières De Sang
Artiste : Avec pas d’casque

V.O. : 2006 CD; Dare To Care Records; DTC024

En Test : 2017 Vinyle

Étiquette : Dare To Care Records
DTC024-LP

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Groupe lo fi folk minimaliste, Avec pas d’casque est un groupe qui ne se prend pas au sérieux depuis plus d’une douzaine d’années, bon an mal an, avec des succès tous plus obscurs les uns que les autres, comme Loup-garou, La journée qui s’en vient est flambant neuve, Derviche tourneurs ou Dans les bras de la femme bionique. Mais n’empêche qu’ils roulent leur bosse et jouent sur des radios commerciales à gauche ou à droite. Leur style [ah ouan, je dois décrire ça moi] minimaliste, country folk commercialo-alternatif, leur joual assumé en font un style assez unique dans notre univers musical québécois.

Et pour leur disque, c’est ridicule, mais le disque tonne comme une tonne de briques! En fait, ce disque est une réédition de leur premier disque «commercial», produit par Dare To Care Records, qui fait déjà affaire avec des fous à la Socalled, et ils sont connus pour réaliser plein de disques de qualité incroyables. Ce disque est tout ce qui est plus authentique, il est de production hyper simplifiée, est parfaitement naturel, est simple dans ses instruments, dans ses voix, et le disque a été sorti enfin en vinyle il y a quelques mois avec toute la [lol!] déférence nécessaire à ce premier disque de nos piliers de folie folk queb.

On achète si on aime Bernard Adamus, Tricot Machine, Lisa LeBlanc, Mara Tremblay.

[ndla: ouf! le correcteur orthographique et grammatical n’est pas convaincu de mes passages au langage familier]

2017: London Grammar – Truth Is A Beautiful Thing

London Grammar est enfin de retour! Deuxième album du trio londonien en quatre ans, vont-ils être à la hauteur de leur succès?

Album : Truth Is A Beautiful Thing
Artiste : London Grammar

En Test : 2017 Vinyle (US, vinyle simple)

Étiquette : Columbia
88985441271

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London Grammar est un groupe pop indépendant qui, après avoir joué dans des pubs à travers la Grande-Bretagne, a sorti un premier vidéo sur YouTube en 2012, Hey Now.

Le vidéo a eu un engouement international et ils ont produit un peu plus tard leur premier disque, If You Wait. Le groupe a cartonné à partir de ce moment, avec leur style plus noir, plus introspectif, faisant un peu penser à un univers à la The XX ayant rencontré Florence Welch. Quatre années plus tard, les voici de retour avec leur suite : Truth Is A Beautiful Thing.

Les deux albums sont du même genre, on y retrouve le même «bon vieux» London Grammar qu’on a aimé découvrir il y a quelques années, avec un peu plus de rythme et un peu plus d’assurance dans le style. Le trip-hop du premier disque fait place à un synthpop planant plus rythmé [ndla : je le dis, j’aime tenter de décrire des styles musicaux, c’est comme avoir un chien qui court après sa queue, c’est tellement impossible comme mission!] et on aime le côté électro ajouté, la voix forte mezzo, mais surtout le piano éthéré.

Pour la qualité, la gravure US est correcte pour la version sur laquelle je fais le test, bref, le disque simple. La musique est compressée et le volume est très bas sur l’album en général. L’atmosphère est respectée, mais elle est agressante à haut volume, même que sur la face B, ça écrête numériquement lors de certaines pièces, comme Bones of Ribbon par exemple. Il fallait s’y attendre avec un album de 25 à 27 minutes par face respectivement. Dommage pour cette version. Il existe deux autres versions, une UK en un disque et une en disque double qui n’a qu’une vingtaine de minutes de matériel par face. Selon Fréquences, il y a des chances que la prochaine version qui sera en magasin sera celle en disque double, qui n’est pas du tout du même master. Vous aurez peut-être plus de chance que moi. Entretemps, j’opte pour acheter la version CD, qui possède cette même compression navrante, mais qui est moins problématique que de se retrouver à travers les différentes versions.

On achète si on aime : Lorde, The XX, Florence + The Machine, M83, Ms Mr.

2014: Tony Bennett & Lady Gaga – Cheek To Cheek

Il y a des rapprochements improbables dans la vie. Run DMC et Aerosmith; Johnny Cash qui reprend Nine Inch Nails; Lady Gaga et Tony Bennett qui font un album ensemble.

Album : Cheek To Cheek
Artistes : Tony Bennett et Lady Gaga

En Test : 2014 Vinyle en encart

Étiquette : Streamline Records
B0021493-01

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C’est le genre d’album qui a eu un succès critique et de ventes. C’est totalement improbable comme succès! Après tout, l’admirateur de Lady Gaga se pose bien la question ce que la Lady peut bien faire à chanter des chansons swing avec un crooner du temps de ses grands-parents. Le fan de Tony Bennett, lui, se pose la question existentielle à savoir pourquoi diantre aller chercher une personne imbue d’elle-même chantant de façon robotique de la pop. Pour casser ce moule, ça prend une personne qui va te dire non NON… tu dois l’acheter, c’est un album fou! Si vous avez des doutes, Lady Gaga possède toute une voix et une musicalité ridicule. Si vous avez toujours des doutes, Bennett est égal à lui-même : incroyable. C’est sans compter la recrudescence swing qu’on vit depuis quelques années.

Ils avaient collaboré brièvement sur l’album Duets II, connu entre autres pour ce superbe duo de Bennett avec feu Amy Winehouse. Le déclic s’est produit entre les deux. Mais bien peu d’encre a coulé au sujet de la confection de cet album, jusqu’à ce que Lady Gaga arrive pendant le spectacle de Tony Bennett au Festival de Jazz de Montréal lors d’un mythique 1er juillet et qu’ils chantent ensemble quelques duos qu’on retrouve ici en version studio. Et quelle version studio! Orchestre complet, superbe présence, toute la chaleur qu’on s’attend. Et pour sa réputation de chanteur de pomme, Lady Gaga lui remet bien la monnaie de sa pièce et ils se font ouvertement la cour. C’est juste beau.

Mais le vinyle? L’enregistrement sent les techniques modernes à plein nez, le Protools. N’empêche que l’album a été produit selon les normes, comme un véritable album de Bennett : son piano Steinway, son micro Neumann pour sa voix et Sennheiser pour le reste, mais surtout son fils, Dae Bennett, à l’enregistrement et au matriçage. Je ne peux pas dire que le disque est parfait côté sonorité, il est trop numérique et moderne pour moi, il sent le délit d’anachronisme à quelques reprises. J’ai de la difficulté à faire une spatialisation des instruments, la sonorité est maximisée sur l’album et respire peu. Mais quand j’écoute l’album, je ne peux que m’imaginer mon oncle s’esclaffer d’une si belle sonorité et de toute l’émotion qui passe à travers cet enregistrement. Et je souris.

On achète si on aime Bing Crosby, Dean Martin, Frank Sinatra, Michael Bublé.

Réédition 2017 / 2003: Evanescence – Fallen

L’album succès hard rock / nu métal de Evanescence en vinyle? Oui!

Album: Fallen
Artiste: Evanescence

V.O.: 2003 CD, Wind-Up Records
60150-13063-2

En Test: 2017 Vinyle

Étiquette: The Bicycle Music Company
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Tenter d’avoir la version disque vinyle 10e anniversaire pourpre chez Fréquences

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De dire que le groupe a eu du succès serait un euphémisme. C’est le genre de groupe qui a transcendé plusieurs styles, les chansons de l’album jouant parfois verbatim dans des clubs de danse, bars punk, autant sur Cité Rock Détente, CHUM que CKOI. Le groupe a commencé à jouer quelques spectacles huit années plus tôt pendant leur adolescence et était classifié par certains comme un groupe de rock chrétien même si ça a toujours été démenti par les cofondateurs. En fait, ils tournaient dans ce milieu et étaient musiciens et chanteurs dans différents groupes chrétiens, mais le projet Evanescence n’a jamais réellement eu ce but. Ceci dit, la pomme ne tombe jamais bien loin du pommier alors les thèmes sont quand même empruntés de cette idéologie. Est-ce que ça dérange quiconque? Pas vraiment.

Et ce premier album d’une grande étiquette en a fait jaser plus d’un. Ils sont passés d’une sonorité plus rock et métal pur à une sonorité nu métal assumée, plus électronique et plus pop. Le Rolling Stone dixit «Evanescence’s hit « Bring Me to Life » doomed the Arkansas group to a life of Linkin Park comparisons». Pas faux… mais l’album s’est distancié assez rapidement de ces derniers dans la tête des gens. Ils ont volé de leurs propres ailes sans avoir besoin de se faire comparer à quiconque.

Mais ce disque… ce n’est pas sa première version? Non, en fait Wind-Up Records avait sorti une version limitée à 1500 exemplaires en pourpre pour le 10e anniversaire de l’album. Il en reste peut-être quelques-uns (!!!). Ceci dit, la version que je vous propose ici fait partie d’un coffret vinyle qui a été sorti de l’intégrale de Evanescence, leur premier album Origin compris, ce qui est impressionnant parce que ce premier album indépendant est sorti à 1000 exemplaires uniquement et afin d’éviter la hausse de prix du CD, le groupe décida de le distribuer eux-mêmes via Napster suite au succès de Fallen.

Et cette deuxième copie, c’est comment? C’est The Bicycle Company qui est responsable du projet et ils sont connus pour la qualité de leur offrande. On a qu’à penser à leur version de Pretty Hate Machine (NIN) afin d’être emballé. Et de mon bord, je suis conquis. C’est une très belle version d’un disque qui n’est sorti qu’en CD dans une ère où la sonorité était horriblement compressée et que le métal se devait être plus fort que les offrandes des autres. J’aurais aimé être plus passionné, mais le disque reste compressé globalement, les fondus de fins de chansons sont secs et crus, l’album sonne comme une série de chansons formatées pour être des simples. Il y a eu travail intéressant sur le matériel source afin d’arriver à un vinyle avec une très belle sonorité, mais c’est à deux doigts d’être vraiment parfait. Ça reste, à mon avis, beaucoup mieux que la version numérique (les années 2000 n’étaient pas reconnues pour une sonorité propre), mais il manque ces deux doigts.

On achète si on aime Marie-Mai, Linkin Park, Nightwish, Lacuna Coil.

2009: Portico Quartet – Isla

Du jazz moderne à la pop dance, il n’y a qu’un pas!

Album : Isla
Artiste : Portico Quartet

En Test : 2009 Vinyle 180g

Étiquette : Real World Records
LPRW174

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Un peu de jazz en dessous du portique (en italien), le quatuor britannique de jazz moderne a gagné un prix Mercury en 2009 pour leur premier disque. Ils ont aussi la chance d’enregistrer aux mythiques studios Abbey Road. Et ils font de la musique avec un idiophone, un Hang! Moi, je ne connaissais pas ça! Le groupe, au fil des ans, a changé de style. Toujours avec une petite touche moderne, ils réinventent des styles qui ne sont pas du tout jazz, ils ajoutent des effets dans leur musique, ils jouent avec les sonorités, ils jouent avec les intonations et ils jouent du Hang. Sax, basse, percussion, batterie, Hang et électroniques pour le quatuor, le tout sur des compositions originales.

Ce disque est leur second disque sur une étiquette reconnue. Ils ont eu un premier jet autoproduit; leur premier disque Knee-Deep In The North Sea, dont le long jeu vinyle a été réédité en 2011; un disque enregistré lors des sessions B&W (ces derniers faisant la promotion de leurs produits pour audiophiles à travers des sessions enregistrées exclusivement pour eux); et finalement, Isla, cet album. Et quel disque! Ce n’est pas pour les amoureux de jazz conventionnel, c’est certain. Il y a un mélange d’un peu de tout, de la saveur pop du mois, au côté jamaïcain apporté par le Hang, des arrangements à la Phillip Glass, au côté moderne de l’électronique et des réalisations, au côté purement jazz jouissif d’un quatuor classique sax-piano-basse-batterie. Bref : c’est toute une aventure que d’écouter ce disque. Portez vos habits de protection d’escalade, votre tube respiratoire de plongée et des bottes de neige, vous allez en avoir besoin!

Pour la qualité du disque, je ne peux être plus heureux. Quand on parle des studios Abbey Road, ce n’est pas rien, ce ne sont pas des deux de piques. Mixé par le monstre de l’industrie John Leckie, matricé par Steve Rooke connu pour ses gravures de disques surtout pop, mais aussi rock, jazz et classique, c’est une bombe de musique, de qualité, de beauté, de belles fréquences, le tout sur un disque avec une absence de bruit de fond et une belle profondeur. Et ce, malgré le fait que le disque ait près de 25 minutes sur la première face. C’est réellement un disque à découvrir et à avoir, si vous êtes capables de supporter le style (on aime ou on déteste!)

On achète si on aime Moullinex, Todd Terje, Hayden James, The Cinematic Orchestra.

2014: Iggy Azalea – Reclassified

La version retravaillée du premier album d’Iggy Azalea est disponible en vinyle double!

Album : Reclassified
Artiste : Iggy Azalea

En Test : 2014 Vinyles doubles

Étiquette : Def Jam Recordings, Hustle Gang
B0022454-01

(lien vers le site Fréquences manquant)

Il y a des albums qui changent la vie d’une personne. Dans le cas d’Iggy, c’est d’avoir pu sortir The New Classic, son premier album. Le problème avec son premier album est qu’il est un peu n’importe quoi. Rarement génial, parfois presque génial, parfois vraiment manqué. N’empêche que son premier album a eu assez de succès dans le monde de la pop rap pour démarrer sa carrière internationale, avec beaucoup de collaborations et une visibilité internationale. Mais il manquait quelque chose.

Il faut beaucoup de courage et être humble à l’extrême pour comprendre qu’on a manqué le bateau, malgré ses excellentes ventes. À la place de sortir un nouvel album et de nouvelles chansons, Mme Azalea a préféré relever ses manches et régler tous les problèmes de son album, et c’est tout à son honneur. Les chansons nécessaires ont étés gardées sans changement, certaines ont étés refaites afin de régler leurs petits problèmes. Finalement, quelques chansons supplémentaires de nouveau matériel ont étés ajoutées. Cette fois-ci, c’est le gros lot : succès assuré! Plein de styles différents, de l’électro rap Fancy avec Charli XCX jusqu’au trap de Bounce en passant par de soul doo-wop de Trouble avec Jennifer Hudson. Une belle variété pour cet artiste australienne, pays qui n’est pas connu pour son rap.

Et pour la qualité, je n’aurais pas de travail si les vinyles étaient tous comme ça. 10 minutes par face, prévu pour DJ, de la basse à profusion, aucun filtre passe-haut, aucun bruit de fond, aucun popcorn. C’est un disque fait pour les discothèques et être joué à tue-tête. Certaines chansons sont plus problématiques côté fréquences, il y a parfois de la compression (c’est 100 % numérique, aucun doute!), il ne faut pas s’attendre à du naturel ici. Mais je ne m’attendrais pas à du naturel de la part de Pierre Henry non plus alors je ne verrais pas pourquoi j’en ferais cas ici. C’est la bombe. Et j’ai acheté l’album afin de voir si les versions de Bounce et de Black Widow en vinyle ne sont pas limitées comme la version numérique. Je suis comblé : ces chansons sont faites pour danser dans une discothèque et si j’entends un DJ faire jouer une version numérique (bref : presque toujours), je vais hocher négativement la tête. Le vinyle, c’est la version à avoir!

On achète si on aime Ariana Grande, Charli XCX, Demi Lovato, T.I.