2017: Willie Nelson – God’s Problem Child

Le maître country est toujours à l’œuvre et n’a pas terminé de nous en conter des vertes et des pas mûres!

Album : God’s Problem Child
Artiste : Willie Nelson

En Test : 2017 Vinyle

Étiquette : Legacy, Sony Music
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Ça, c’est un grand… Il y a parfois des auteurs-compositeurs-interprètes qui jouent parce que c’est leur vie. Voilà. Vous savez tout ce qu’il faut savoir sur Willie Nelson! Le reste n’est que du mythe. On peut penser à Trigger, sa tonitruante guitare qui en a vu autant que son compagnon, qui a elle seule a eu droit à des reportages et documentaires. On peut penser à ses spectacles, à son accessibilité, à son activisme pour la légalisation de la marijuana et son entreprise de biodiésel. On peut penser à tous ses succès, tous ses disques qui sont incroyables. Quand je pense à du country, c’est à lui que je pense : chansons d’amour, chansons rebelles, chansons rock, mais pas toujours des chansons sur les caisses de bière, les femmes-objet et les conducteurs de camions comme le country moderne.

Quand je pense à lui, j’imagine quel genre de malcommode il doit être. Lorsqu’il était près de faire faillite, il a caché sa guitare en disant «si Trigger est vendue, j’arrête de faire de la musique». Une chance pour nous et pour lui, il a réussi à garder sa guitare! Et oui, c’est bien évidemment elle qui est mise en vedette sur cet album aussi. La sonorité de Nelson ne serait juste pas la même sans son destrier à cordes.

Je recommande d’ailleurs que vous achetiez n’importe quel album de Nelson. Soyons honnêtes, j’ai mis un lien vers tous ses disques parce qu’ils sont habituellement excellents. Peu de gens s’y connaissent réellement assez pour vous guider dans son immense discographie alors je vous suggère plus de conserver un lien vers sa discographie AllMusic et regarder si le disque est bon ou non. Mais même un disque à zéro ou une étoile a quand même un petit quelque chose (si vous aimez les albums de Noël!) Si vous achetez God’s Problem Child, sachez que vous allez tomber dans un de ses bons albums!

Et pour la qualité… Ma copie possède énormément de bruit de fond. Pas juste un peu, mais vraiment beaucoup, et par vagues. Ça sent l’impression à la va-vite et que je n’aie pas été chanceux à la roulette des impressions. Ça arrive. D’ailleurs, les informations de la version CD et vinyles sont identiques alors j’opte pour un matriçage identique pour les deux versions quoique la sonorité du disque est sublime alors ça se peut très bien que ce soit une version spéciale pour vinyle. Je compare les versions numériques et vinyles et elles sont toutes deux très bonnes. J’opterais pour le vinyle à cause de la sonorité folle des guitares et de la voix, mais c’est vraiment par goût personnel. Dommage qu’il soit si brouillon.

Réédition RSD2017 / 1977: Neil Young – Decade

Deuxième légende vivante cette semaine! La première compilation de Neil Young est enfin de retour sur le marché 40 ans après sa sortie!

Album : Decade
Artiste : Neil Young

V.O. : 1976/1977 Vinyles triples en encart
Reprise Records 3RS 2257

En Test : 2017 Vinyles triples en encart (RSD)

Étiquette : Reprise Records
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En mention spéciale, Reprise Records est supposé sortir de nouveau le disque ce mois-ci sur CD et vinyle, ils nous ont fait une surprise avec une sortie devancée limitée pour le RSD, mais nul besoin de rechercher cette version, attendez simplement la prochaine!

Decade, c’est une compilation célébrant les dix premières années de carrière de Neil Young. Malgré sa quantité de succès, il n’avait jamais fait de compilation auparavant alors les admirateurs ont étés heureux de retrouver finalement tous ses succès sur un seul disque triple. Grosso modo, la première face est surtout consacrée à Buffalo Springfield, son premier groupe. La première face du deuxième disque est surtout pour Neil Young & Crazy Horse et on a aussi droit à deux succès de Crosby, Stills, Nash & Young. Tout le reste est surtout Neil Young dans sa carrière solo, parfois en direct, surtout en studio.

Si vous aimez le folk et que vous ne connaissez pas Neil Young, c’est un guitariste hors pair, c’est un compositeur d’exception, il a touché autant le folk, l’américana, le country, le rock, les styles plus violents, le r&b. On reconnait les influences autochtones (écoutez la superbe compilation Native North America de Light In The Attic [achetez le coffret vinyle chez Fréquences] pour vous en convaincre) et le côté country pur, qui est reflété sur la vie moderne. Depuis bien des années, Young habite sur un ranch en Californie avec sa femme et se bat pour les droits des fermiers.

Et comme réédition? Ce n’est pas trop tôt! Il y a peu ou prou de nouvelles éditions. Elle est brouillonne comme la première version, inégale en qualité entre les différentes chansons. Mais elle reflète très précisément la version d’origine, avec des chansons inédites, ses grands succès, la sonorité parfois 70s, parfois mal enregistrée, parfois bien enregistrée. C’est de très bonne guerre et il n’y a aucune réinvention ici : la version telle que présentée est identique à la version des années 70, seulement avec une réduction de bruit de fond. La basse est toujours omniprésente lorsqu’elle est supposée l’être, aucun rematriçage n’a été effectué. C’est la bonne vieille version, juste avec beaucoup moins de bruit de fond accumulé par les années sur les tablettes.

Neil Young est surtout connu pour sa passion de la très haute fidélité. Je dirais qu’il aurait pu faire légèrement mieux dans cette version et régler quelques problèmes du disque, mais je respecte totalement son choix d’avoir conservé le disque à peu de choses identique. Qui sait, peut-être que la future version qui va sortir bientôt va avoir droit à un remastering plus prononcé et que le but de la version RSD était de sortir une version aussi près de l’original possible. Si c’est le cas, chapeau, mais j’ai des doutes qu’on va avoir exactement la même chose.

2017: Roger Waters – Is This The Life We Really Want?

Éditions spéciales légendes avec Nelson, Young et Waters. Trois monstres. Deux nouveaux disques. Une compilation d’anthologie.

L’année 2017 est une année prolifique pour les retours en grande. On peut dire parfois qu’ils ne sont jamais partis. Le Texan Willie Nelson commet l’équivalent d’un nouveau disque original bon an mal an; l’Anglais Roger Waters poursuit spectacle après spectacle à travers la planète et le Torontois Neil Young continue ses idées de musique en continu de très haute fidélité et nous a sorti un nouveau disque en décembre.

Des trois disques, le plus unique est celui de Waters. Son dernier disque rock composé datant de 1992 (Amused to Death). Dix ans plus tard, il a eu son opéra (Ça ira). En d’autres mots, oh my God! Il sort un nouveau disque!!!!!

Album: Is This The Life We Really Want?
Artiste: Roger Waters

En Test: 2017 Vinyle double

Étiquette : Columbia
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La suite créative de The Wall nous est présentée après un superbe opéra l’an passé ainsi qu’un film en 2015. Alors il fallait s’attendre à une sortie qui permettrait de mettre des points sur les i de son opus avec Pink Floyd et des clins d’œil à travers le disque. Intimiste, surtout basé sur la voix de Waters, le premier disque en entier est un peu un retour en arrière. La première chanson est une introduction à la Speak To Me (DSOTM), suivi plus ou moins d’une version de 20 minutes (le très court premier disque en entier) de Mother (The Wall). Le tout se réveille en opéra rock sur la relativement longue face C, pour se terminer dans du psychédélisme rock sur la face D. Il y a aussi quelques influences de Jean-Michel Jarre présentes à travers le disque. Et sa voix est bien évidemment vieillie, c’est beaucoup plus visible qu’avec feu Bowie sur Blackstar. Ça peut en rebuter plus d’un.

Côté qualité, le premier disque est une dizaine de minutes par face. C’est très court. On se retrouve à changer de face aux deux chansons. Le volume est identique à la longue face C. Je dirais qu’ils auraient pu en profiter pour compresser les sillons vers l’extérieur afin de conserver le maximum de qualité. Ce que Bob Ludwig semble avoir fait, c’est d’appliquer un filtre passe-bas plus prononcé sur la longue face, et de laisser toute la gamme dynamique sur les faces A et B. Ce n’est peut-être pas le choix que j’aurais fait. Un autre choix que je n’aurais pas fait est de compresser autant les pistes musicales (elles sont comprimées par instrument individuel alors ça ne s’entend pas trop) et je n’aurais pas mis de coupure si nette aux différentes pistes. Reste que Ludwig est un génie dans son genre, que Waters est un fanatique de qualité et ça paraît. Si je trouve les trois premières faces un peu proprettes à mon goût, la quatrième me ressort le gros côté sous-sol enfumé avec beaucoup de tapis shag qui sied mieux à ses compositions à mon avis. Donc si je n’aime pas certains détails, c’est que je n’aime pas les choix conscients que les deux ont faits sur le disque, sur la sonorité qu’ils ont décidé d’obtenir, mais je sais pertinemment que ce sont des choix et non une imposition ou un impératif de production. Je noterai tout de même un peu de bruit de fond sur ma copie qui est inutile.

1973: Sonny Terry & Brownie McGhee: Sonny & Brownie

Un duo de musiciens de blues qui nous en met plein la vue!

Album : Sonny & Brownie
Artistes : Sonny Terry & Brownie McGhee

En Test : 1973 Vinyle avec pochette en encart (Canada)

Étiquette : A&M Records
SP 4379

Acheter le CD de compilation «Absolutely The Best» the Sonny et Brownie chez Fréquences

Ces deux bluesmen sont comme un vieux couple, ils ont toujours joué ensemble. En 1973, lors de la sortie de ce disque, ça faisait déjà 15 ans qu’ils endisquaient ensemble et déjà plus de 30 ans qu’ils faisaient des concerts ensemble! Entre autres, le duo a été connu dans les groupes de renaissance Folk lors de la 2e guerre mondiale. Les deux musiciens ayant leur lot de malchance en jeunesse, un ayant contracté la polio lui faisant perdre l’usage d’une jambe et l’autre devenant aveugle. Ces problèmes les obligeant à prendre la route et jouer de la musique afin de subvenir à leurs besoins.

C’est difficile de sélectionner un meilleur disque afin de représenter ce prolifique duo. Les deux musiciens sont au sommet de leur forme, le disque a été enregistré de main de maître dans les studios Paramount, le tout avec des musiciens de support incroyables dont Sugarcane Harris et Arlo Guthrie entre autres.

Et pour la qualité, c’est certain que ce n’est pas la version MoFi du disque, sortie en 95. Aussi, c’est certain que le disque est de facture 70’s : le côté stéréo est omniprésent, les voix sont inégales et plus sourdes qu’elles devraient l’être. Toutefois, le disque est parfaitement adéquat. Vous pouvez être chanceux et avoir une version très propre du disque comme moi, qui sait, mais mon disque, une fois bien nettoyé, n’a aucun popcorn et très peu de bruit de fond. Les instruments sont propres, doux, déférents. Ce n’est pas du tout le même genre de blues sale et crasse des Stones avec Blue & Lonesome, c’est l’envers de la pièce, plus folk, plus américana, plus swing et blues piedmont, plus traditionnel. C’est le genre de disque qu’on peut écouter et être avec les musiciens dans le studio. Une perle du genre. A-t-on réellement besoin d’une version plus pure du disque afin de l’apprécier?

On achète si on aime Big Joe Williams, Sonny Boy Williamson, Charlie Musselwhite, Willie Dixon.

Réédition RSD2017 / 1995: Luna – Penthouse

La bombe indie smooth rock reçoit un traitement de luxe pour le Record Store Day.

Album : Penthouse
Artiste : Luna

V.O: 1995 Vinyle simple, Beggars Banquet, BBQLP 178

En Test : 2017 Vinyles doubles pour RSD

Étiquette : Elektra, Rhino Records
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Une des raisons pour lesquelles j’aime la musique est qu’il y a une quantité ridicule d’univers différents et fascinants qui méritent amplement d’être découverts. Tant que personne ne vous parle d’un groupe, ce groupe risque de rester totalement hors de votre collimateur. Hélas, ce n’est pas les services d’écoute en continu qui vont vous aider à ce sujet, les étiquettes et distributeurs préférant s’assurer que leurs poulains se retrouvent en premier dans les recherches. Et c’est tout aussi vrai pour les vieux disques d’il y a 20 ans qui sont ressortis des boules à mites, quand le groupe est dissous depuis longtemps. Luna fait partie de ces groupes mythiques qui sont méconnus. Leur disque Penthouse est le 99e des 100 meilleurs disques des années 90 selon le magazine Rolling Stones. Ce disque en version originale ne s’achète qu’à des prix de trois chiffres. Et leur coffret de rééditions sorti il y a deux ans (à 105 exemplaires!!!) s’écoule dans les trois chiffres très avancés. Mais personne ne les connaît!

Et que dire du disque? Il est surtout composé de ballades avec un fort accent sur les guitares électriques. C’est un groupe purement rock, mais qui ne peut être classé dans les groupes soft rock réellement. C’est presque hard, mais très doux et planant, c’est des ballades. D’aucuns vont appeler ça du dreamy rock, moi je vais dire que c’est du indie. Le disque contient son lot de chansons ressemblant à du Sheryl Crow, d’autres un peu plus près des Velvet Underground (auquel ils ont fait la première partie à quelques reprises).

Le contenu? Le premier disque est une version intégrale de l’album original. Le deuxième disque est composé de matériel supplémentaire et de versions remixées des chansons. Pour le prix, c’est un très bel album en encart.

Et côté sonorité? C’est un superbe projet, belle réédition, beau remastering de l’album. Très très peu de bruit de fond, très peu de popcorn. L’album ne sonne pas du tout numérique et possède toute cette chaleur qu’on désire qui puisse être donnée à un vinyle rock. Le côté grinçant des guitares, le côté enveloppant de la basse, et un rythme fort effacé propre au style de Luna, tout y est. Pour être honnête, c’est aussi une des rares occasions qu’on peut avoir d’acheter le disque en bas de 50 $ (au moment de l’écriture de l’article) alors même si la qualité n’avait été qu’adéquate, ça aurait quand même valu la peine! Une chance pour nous, le disque possède une sonorité absolument superbe.

On achète si on aime Yo La Tengo, Galaxie 500, Mazzy Star.

2017: Isabelle Boulay – En Vérité

Après plus de 20 ans de carrière, Isabelle Boulay est prête à nous parler en toute vérité.

Album : En Vérité
Artiste : Isabelle Boulay

En Test : 2017 Vinyles doubles

Étiquette : Audiogram, Sony Music
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Ça faisait déjà trois longues années que Isabelle Boulay ne nous avait pas sorti un opus. Son dernier disque, Merci Serge Reggiani, était le premier disque de Boulay qui était produit en vinyle, mais c’était aussi un hommage à Reggiani, alors ce n’était que des chansons reprises de ce dernier. Si on désire avoir du matériel original, il faut reculer encore plus loin, 6 longues années sans aucune chanson originale. C’est long. Et aucune chanson originale en vinyle! Baptême de Boulay sur le format pour ses propres chansons! Il faut dire que cette dernière a été fort occupée sur plusieurs autres projets, dont La Voix qui occupe beaucoup de temps.

Comme mon but n’est pas de vous dire si j’ai aimé l’album ou non, je ne m’y étendrai pas particulièrement. Il s’agit d’un disque de Boulay! Si vous aimez cette dernière, vous allez l’adorer. Si vous ne l’aimez pas, c’est votre problème et je ne tenterai pas de vous convaincre du bien-fondé de cette extraordinaire artiste gaspésienne. Suffit de dire que les chansons de ce disque proviennent de tous les horizons, de Julien Clerc à Cœur de Pirate. Ce ne sont pas des chansonnettes.

Mais côté qualité? Ah, ça, par contre, c’est précisément mon but : vous faire découvrir des disques et vous dire si vous devriez acheter le disque vinyle. D’abord, la sonorité Boulay, ce ne sont pas avec de vrais instruments. C’est surtout du synthétiseur et ça paraît. Ce n’est pas nouveau avec elle, mais sur les pistes Protools se fait ajouter des instruments midi. Ça paraît. Mais dans le lot, les guitares sont souvent franches, les voix sont belles et surtout ça m’a sauté à la figure dès la première chanson du disque : de vraies cordes et un vrai orchestre! Wouah! Et la qualité du disque vinyle double, matricé avec soin par Marc Thériault, est vraiment excellente, assez afin de savoir quand une piste apparaît ou disparaît sur Protools, assez afin de savoir que cet instrument est un logiciel enfichable quand cette autre piste est fort naturelle. Un peu de bruit de fond sporadique sur le vinyle, mais je n’ai rien d’autre à redire sur cette gravure somme toute vraiment honnête. La sonorité qu’on a désiré y donner est la même que les disques des grands des années 80, par exemple des vieux Patricia Kaas. C’est une sonorité éprouvée pour la balade, formant le répertoire de Boulay, et c’est un plaisir à écouter sur vinyle. Grand disque vinyle? Non. Audiophile? Non. Numérique? Oui. Beau, sonore, efficace et s’écoutant avec plaisir : Définitivement!

On achète si on aime Laurence Jalbert, Lynda Lemay, Maurane, Natasha St-Pier.

Réédition 2017: 1995: Leftfield – Leftism

Le plus grand disque house de tous les temps? Et un partenariat de diffusion des critiques pour Fréquences?!

Album : Leftism
Artiste : Leftfield

V.O. : 1995 Vinyles double et triple
Hard Hands
HANDLP2D, HANDLP2T

En Test : 2017 Vinyle triple 180g

Étiquette : Hard Hands, Columbia Records, Sony Music
HANDLPT

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Le blogue des critiques de Fréquences fait boule de neige! À partir d’aujourd’hui, cinq mois après notre première offrande, les critiques de Fréquences le Disquaire seront dorénavant publiées en simultané dans Le Magazine TED par Québec Audio & Vidéo! Après de bons échanges (et quelques bières, verres de vin et kombucha), nous avons clarifié quel était le but de ces critiques. Les voici:

  • Faire connaître les disques vinyles modernes produits par l’industrie, peu importe les styles et genres, la qualité de distribution ou de production.
  • Aider à disséminer la joie d’écouter de la musique en faisant découvrir des disques anciens d’exception, peu importe s’ils sont disponibles ou non chez Fréquences.
  • Avoir une critique audiophile subjective sur la qualité de production des disques afin que les lecteurs puissent s’y retrouver et acheter en toute connaissance de cause.
  • Et surtout, redonner à Internet avec une archive de recherche permettant à des amateurs de musique d’en savoir plus sur leur disque en recherche.

Vous l’avez bien vu depuis le début, beaucoup des disques présentés ici ne sont pas ou plus disponibles chez Fréquences; on parle parfois des autres disquaires; on se fout du style musical, que ce soit de l’opéra au hardcore, tout y passe et aucun disque n’est jugé sur son contenu musical; certains des disques vinyles ne reçoivent pas des bonnes critiques; bref: le but n’est pas mercantile (ou sinon on serait vraiment pas business!) mais bien de partager notre amour de la musique. Et c’est pour ça que la publication à travers le Magazine TED est un recoupement incroyable: nous parlons de musique sur disques vinyles avec un auditoire accru recherchant de la qualité comme nous et ils ont des articles donnant leur appréciation sous la vision d’un audiophile.

Longue vie au partenariat!

Et en attendant, de retour à l’article original! On parlait de la réédition de Leftism par Leftfield.


L’histoire de ce disque est relativement banale. Un relativement bon duo britannique de musique «progressive house» du début des années 90 a décidé de sortir un album compilation de la majeure partie de ses succès du début de la décennie. Mais ils sont fous! Certains groupes ne vont graver que les meilleures versions de chaque chanson, il vont faire un album avec un mix de toutes les chansons ou y mettre toutes les versions radio parce que c’est Monsieur et Madame tout le Monde qui vont acheter les disques. Eh bien non, Leftfield refont les chansons pour le disque de A à Z, ils les imaginent de nouveau, les travaillent et changent leur style. Ils prennent aussi le temps et donnent la déférence nécessaire aux pièces musicales en ajoutant des chanteurs et collaborateurs pour toutes les pièces les nécessitant.

Il y a une sonorité particulière à Leftism. L’album ne peut pas être considéré comme «progressive house» ou même simplement house. En fait, la seule étiquette qui colle réellement est musique électronique. Certaines des pièces sont plus des dubs, d’autres sont plus jungle, d’autres ajoutent des relents de scratching, d’autres du old-style avec des 808, 303, du Oberheim… ou même une chanson comme Cut For Life qui possède tous ces styles et instruments dans la même pièce. L’album ne peut pas non plus être considéré comme ayant une suite logique; la sonorité y est, mais il n’y a pas réellement de progression comme un mix. En fait… si, il y en a une, mais ce n’est pas le but premier du disque.

Comme toute ancienne sonorité, il y a des choses qui vieillissent mal. Les instruments électroniques sont parfois inadéquats et il y a parfois des pièces musicales qui font leur âge. N’empêche que le disque s’écoute encore incroyablement bien. On l’apprécie par ses différents styles, ses chansons qui ont fait individuellement des succès et qui font un tout cohérent. On comprend parfaitement que le disque ait grimpé dans les Billboard et Top UK, ait reçu des prix et qu’il ait fait école. Ça serait comme dire que MCMXC A.D. de Enigma serait vieilli : bien… oui! et? Alors… le meilleur? On verra dans 20 ans mais à date, c’est bien parti!

Et la qualité? Ce disque triple possède la qualité de son défaut : trois disques avec très peu de matériel par face, prévu et conçu pour des DJ. Une sonorité superbe, forte, vraiment peu de bruit de fond, une absence quasi complète de popcorn, parfois un peu de bruit à cause des fréquences extrêmes. On change donc les faces à chaque onze minutes. Mais quelle expérience parfaite! Le disque provient d’un matriçage numérique effectué de main de maître par Matt Colton (qui a gagné le Music Producers Guild Mastering Engineer of the Year en 2013 – en écoutant ce projet, je dirais que ce prix est justifié) et le disque ne sonne aucunement numérique. Compressé, oui bien sûr, ça reste du house, mais chacun des instruments respire et on n’entend jamais un gros compresseur se faire aller, la musique est aérienne et pure.

On achète si on aime Underworld, The Chemical Brothers, Orbital, Fatboy Slim, danser.

RSD2017: Mad Professor meets Jah9 – In The Midst Of The Storm

C’est le temps de sortir ses dreads, Mad Professor est de retour avec son dub unique pour le RSD 2017!

Artiste: Mad Professor meets Jah9
Album: In The Midst Of The Storm

En Test: 2017 Vinyle RSD translucide et bleu

Étiquette: VP Records
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Ça fait 35 ans que le guyanais Mad Professor nous fait fumer du patchouli en quantité industrielle, et du vraiment bon stock. Il a collaboré avec les plus grands et continue de faire de la qualité ridicule de dub, moderne depuis 35 ans. Rien de old school avec le professeur fou, c’est toujours une sonorité de dub qui semble être composée hier.

J’ai connu Mad Professor avec son album sur lequel il a remixé l’album Protection de Massive Attack au complet, afin de faire l’incroyable No Protection. Tellement un bon album que je ne connaissais pas Massive Attack et je croyais que c’était l’album d’origine quand on me l’a présenté il y a 20 ans. Je suis resté bête quand j’ai découvert la version originale, une bombe faite par un groupe incroyable… mais encore aujourd’hui, pour moi, Protection, c’est la version de Mad Professor qui prime! Alors quand j’ai su que Jah9 passait dans le tordeur du professeur, c’est un des rares disques sur lesquels j’ai sauté dessus et souhaitais ardemment que personne ne le prenne avant moi au Record Store Day.

Côté sonorité, je ne suis pas déçu. C’est du gros dub sale et violent, avec le voix sublime de la jamaïcaine Jah9. le disque est très silencieux, il possède amplement de basse, ça groove, c’est chaud, c’est aucunement timide, c’est toute la couleur qu’on peut imaginer de tels monstres de la musique. Le disque est très bien imprimé, il faut dire que c’est un VP Records, spécialisé dans le reggae, les dubs et ayant produit le disque précédent de Jah9; ça aurait été étonnant qu’ils ne connaissent pas leur matériel. Ma déception est sur les coupures arbitraires des chansons du dub. Je sais jesaisjesaisjesais il y a une école qui fait débuter les dubs rapidement et les termine lorsque tout est dit. Mais je n’aime pas les fondus en sortie quand je sens que l’artiste peut débuter à broder. J’aurais aimé que chacune des chansons dure une face de disque et que Mad Professor ait eu le temps de broder chacune d’entre elles, quitte à les mixer ensemble. C’est mon côté fan de jazz modal qui parle ici qui aime les développements longs et passionnés, les soirées avec un DJ qui réussit à nous en faire voir de toutes les couleurs. J’assume d’ailleurs que ce disque va faire l’apanage de bien des soirées dub!

CONCOURS TIMBER TIMBRE!!!

À gagner!! Une paire de billets pour le concert de demain soir à l’Olympia de Montréal. Suffit d’être la première personne à trouver le « silver ticket » caché en magasin. Pour vous aider, nous vous donnons un indice photo sur quelle pochette de disque il est savamment collé! Sur un classique de la musique brésilienne oops… Faites-vite!!

2014: The Neil Cowley Trio – Touch And Flee

Jazz? Check. Audiophile? Check. Pochette louche? Check!

Album: Touch And Flee
Artiste: The Neil Cowley Trio

En Test: 2014 Vinyle

Étiquette: Naim Jazz
NAIMLP207

La petite histoire de Neil Cowley: pianiste avec un certain following, mais surtout un pianiste de session pour d’autres artistes. Entre autres, Emeli Sandé et Adèle (pour ses albums 19 et 21).

La petite histoire du trio: Trois amis. Cowley avec Evan Jenkins (pas le politicien, le batteur) et Rex Horan, bassiste. Tous trois musiciens de studio. Et trois fanatiques de jazz contemporain.

Et la petite histoire de Naim Records: Naim Audio est la marque britannique fort reconnue de systèmes de son, achetés il y a quelques années par Focal. On les reconnait à leur interface minimaliste et leur bouton parfois unique. Comme quoi Apple n’a pas inventé la simplicité. Projet de captation et de disques haute fidélité, Naim Records sort un peu de tous les styles avec fort peu de modifications et post-traitement. Les erreurs sont laissées, l’idée d’un disque presque en direct est conservé.

En d’autres mots, c’est un disque vraiment extraordinaire! Il faut aimer le jazz contemporain bien entendu et aimer les trios fort simples de piano, basse et batterie. C’est difficile d’arriver plus à la simplicité. Le disque n’est vraiment pas long, c’est presque un EP, mais il respire et transcende pleinement la philosophie de Naim Records.

Est-ce épatant? … c’est de belles chansons, ce n’est peut-être pas le trio qui va révolutionner le jazz … mais c’est beau, c’est bien, c’est cool à écouter et ça donne le goût de les écouter encore plus au Gesù le 4 juillet 2017!