Category: Rééditions justifiées

Réédition 2005/2014: The Prodigy – Their Law: The Singles 1990-2005

Posted on by Michel Donais

Les originaux du Big Beat Hardcore, sur vinyle!

Artiste: The Prodigy
Album: Their Law: The Singles 1990-2005

V.O.: 2005 CD double, XL Recordings XLCD 190

En Test: 2014 Vinyle double en encart

Étiquette: XL Recordings
XLLP190

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De dire que The Prodigy a été une influence est un euphémisme. Cette sonorité incroyable provenant de Grande-Bretagne a dépoussiéré une génération entière. Le côté plus crasse de The Prodigy faisant contrepartie au côté plus propre de The Chemical Brothers, plus artistique-expérimental de Future Sounds Of London. Auparavant, dans les années 80, la sonorité européenne était plutôt reconnue comme ayant peu de basses, dont ces dernières étaient représentées par des clics dans les aigus (pour reprendre la phrase de Moroder «but I knew I needed a click, so we put the click»). Non contents de cet état de fait, les groupes de Breakbeat y mettent toute la gomme dès 1989 et créent le Big Beat. De la basse, vous en voulez? The Prodigy en ajoute une couche avec ses paroles violentes, des vidéoclips décoiffant et faisant polémique, un style carrément sale.

Ici, à part pour les fanatiques du style, on a surtout connu ces groupes à travers le jeu wipEout XL, version Nord-Américaine de wipEout 2097, nous faisant découvrir des premières pistes de Future Sound of London, Fluke, The Chemical Brothers, Underworld, Daft Punk, Orbital, Leftfield et bien entendu The Prodigy, le tout en version instrumentale. La trame sonore est encore une référence en la matière aujourd’hui. Le disque de compilation Their Law, sortie en 2005, est sorti lors du creux où peu de disques vinyle se faisaient produire. C’est un peu normal qu’on eût uniquement accès à une version CD, et il était temps que XL Recordings y remédie. On avait en effet droit à plusieurs des disques de The Prodigy en vinyle. Surtout que le style se prête parfaitement au vinyle!

D’ailleurs, pour la qualité, si je compare avec The Fat Of The Land, on a des versions des chansons légèrement plus compressées et respirant moins. Il faut dire que, compilation oblige, ils ont mis environ 20 minutes de musique par face, ce qui est énorme pour ce style musical. Le disque, superbe d’ailleurs, a un peu trop de bruit de fond, mais ce n’est pas trop problématique, on l’oublie bien vite quand la musique démarre, à tue-tête, avec tout ce qu’on s’attendrait d’avoir comme basse tonitruante et déchaussante son caisson d’extrêmes-graves, au grand malheur de ses voisins, qui peuvent bien sonner ou frapper du balai, on ne les entendra juste pas, ni les policiers qui vont passer pour demander de baisser le volume. Comme je disais, il y a de la compression, mais elle n’est pas du tout déplacée, les moments doux sont contrebalancés par l’extrême pression de la défonce qui les suit. Les boums de basse ne modifiant pas le niveau des aigus. Si on compare la version vinyle et la version numérique, on ne revient plus au numérique tellement cette dernière est compressée en comparaison!

Sur ce, je dois aller mettre de la glace sur mes oreilles! Et XL, la prochaine fois, faites une compilation en quatre disques et mettez-y tous les succès du CD double, pas uniquement le premier disque!

Réédition 1994/2018: Soul Jazz Records Brasil

Posted on by Michel Donais

Une des premières compilations de Soul Jazz Records, rééditée juste pour nos oreilles!

Album: Brasil

V.O.: 1994 CD
Soul Jazz Records SJR CD22

1998 Vinyle
Soul Jazz Records SJR LP 022

En Test: 2018 Vinyle en encart; Rematricé

Étiquette: Soul Jazz Records
SJR LP405

Soul Jazz Records possède une réputation de qualité incroyable. L’étiquette de Grande-Bretagne, encore une autre spécialisée dans la réédition de succès, prennent le temps de faire une recherche exemplaire et de pousser vers le maximum de qualité. Rares sont leurs erreurs lors de la production de leurs disques. On peut penser à leurs séries Disco et Punk 45, avec grands livres en prime. Mais Soul Jazz Records, au début, faisait aussi parfois ses enregistrements.

Brasil est un de ces albums où ils ont réalisé l’enregistrement, non content d’avoir des artistes locaux à réimprimer dans une compilation. Il s’agit d’un de leurs premiers disques de compilation d’ailleurs, leurs disques précédents étant composés principalement de simples. On a droit sur ce disque à un éventail de styles musicaux courant à Rio de Janeiro, styles passant de la bossanova à la MPB (Musique Populaire du Brésil). Ce disque est un des précurseurs de la vague de découverte de musique brésilienne dans les pays européens. On comptera entre autres dans les grands disques subséquents poussant vers un style similaire l’excellente compilation Bossa Très… Jazz de l’étiquette Yellow Productions avec de la musique électro, brésilienne et japonaise. N’empêche que Brasil est tout un numéro. Peut-être ont-ils forcé un peu la note sur la pseudo-authenticité avec instruments de percussions locales, mais on leur pardonnera.

Et pour l’enregistrement, on a tout un enregistrement! Le matriçage du disque de 2018 n’a rien à envier de personne, la qualité est simplement impressionnante, les basses sont présentes sans trop, les instruments sont francs et naturels, le dynamisme est parfait. Si tous les disques étaient comme ça, je n’aurais aucun travail à faire! Un peu de numérique dans la sonorité, mais c’est si peu qu’il faut vraiment chercher les problèmes pour le remarquer.

En rafale: RSD Black Friday 2017 – Les simples

Posted on by Michel Donais

Beaucoup de disques simples valaient la peine cette année au Record Store Day, mouture Black Friday. Comme d’habitude, il y avait une quantité effarante de matériel prévu pour faire des sous, une bonne quantité d’albums réchauffés de Noël, quelques nouvelles sorties, mais il y avait beaucoup de disques simples qui valaient aussi la peine, en partant des nouveautés aux rééditions justifiées.

Tous les lecteurs de mes chroniques savent à quel point j’apprécie les disques 12″ simples. Qualité, précision, dynamisme, aucune limitation et aucune perte, volume maximal et peu de bruit de fond. J’ai été choyé cette année. Voici mes achats et mes commentaires sur ces derniers.

Chanson face A : My Definition of a Boombastic Jazz Style
Artiste : Dream Warriors

V.O. : 1990 Vinyle 12″ 45RPM simple (US)
4th & Broadway
12 BRW 197

Chanson face B : Wash Your Face In My Sink
Artiste: Dream Warriors

V.O. : 1990 Vinyle 12″ 33RPM simple (Canada)
Island Records
IS 1294

En test : 2017 Vinyle 7″ 45RPM simple

Étiquette : Universal Music
5379535

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Débutons avec une bombe torontoise des années 90. Les deux chansons proposées ici sont les deux premiers simples de Dream Warriors, Wash Your Face In My Sink étant la chanson qui les a fait découvrir, et My Definition of a Boombastic Jazz Style étant la chanson qui a été leur one-hit wonder. Il n’y avait jamais eu de réédition de ce disque depuis les années 90 alors c’est une bonne idée que d’en faire une version-compilation de bonne qualité.

C’est rare que j’achète des 7″ simples, je préfère me concentrer sur les douze pouces personnellement. Toutefois, je vais faire une exception de temps en temps. Et je suis vraiment heureux d’avoir fait cette exception : le disque est superbe, la qualité de l’enregistrement est superbe, tous les détails y sont. Mais on peut aussi bien évidemment entendre tous les défauts de production des chansons. On entend toutes les pistes individuellement et ne semble avoir aucune cohésion : la basse omniprésente ne touche pas à la piste d’échantillonnage, qui ne touche pas à la voix. Ce n’est pas vraiment un défaut vu que la reproduction nous expose même cet air du temps, et c’est drôle à écouter à cause de ça.

Là où on peut déchanter légèrement, c’est le prix. Une vingtaine de dollars pour deux chansons de disques traînant toujours en parfait état dans des boîtes à 1 $, ce n’est peut-être pas le meilleur investissement de son argent.

Album : Feels
Artistes : Calvin Harris, feat. Pharrell Williams, Katy Perry et Big Sean

En Test : 2017 Vinyle 12″ Picture Disc simple

Étiquette : Sony/Columbia
88985481261

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Utilisez votre voix radiophonique afin de dire «le succès de l’été poste-de-radio», sauf en version automnale. C’est le succès de l’heure, joyeux et sympa, qui sera probablement oublié dans quelques années, mais qui est vraiment amusant à écouter ? Ici, vous allez payer pour une seule chanson, qui n’a pas de version étendue ou instrumentale sur la deuxième face : c’est une gravure rigoureusement identique sur les deux côtés du vinyle! Et ce n’est pas une version plus ou moins étendue de la chanson, c’est simplement la version album de la chanson, tel qu’on la retrouve partout ailleurs.

On paye donc une quinzaine de dollars pour une chanson! Et encore une fois, ceux qui me suivent savent à quel point je déteste les picture disc, même s’il y a de nouveaux procédés de gravure permettant d’obtenir une meilleure qualité, c’est toujours un sérieux coup de dés. Dans mon cas (je ne m’avancerai pas pour les autres), j’ai été hautement surpris de la qualité de la gravure et la qualité de reproduction! Peu de bruit de fond, une gravure exemplaire réalisée spécialement pour le vinyle par un des grands ingénieurs de gravure, avec des instruments réels joués par Calvin Harris. Pour ce style musical, c’est une très grosse surprise, mais c’est la bombe, sur un superbe disque, avec une très belle pochette… pour une seule chanson!

Album : Disco Devil
Artiste : Lee Perry and the Full Experiences

V.O. : 1977 Vinyle simple 12″
Upsetter

En Test : 2017 Vinyle simple 12″ rouge

Étiquette : Get On Down
GET57005-12

Réédition totalement justifiée, Disco Devil est un disque impossible à acheter en version originale. Même la réédition des années 2000 est rendue très dispendieuse et a probablement été jouée par un DJ à outrance. Disco Devil, c’est la chanson Chase The Devil de Max Romeo, coécrite par Lee Scratch Perry, mais en version dub jamaïcaine telle qu’on les aime : boîte à écho et réverbération omniprésente, de la basse et un groove à faire fondre toute la neige de la planète, mais surtout une des meilleures chansons du style, un essentiel pour les amateurs de dub.

Et côté qualité, c’est vraiment excellent! Il faut dire qu’on a affaire à Get On Down, une étiquette de réédition de disques vinyles spécialisée dans des disques absurdes. Leurs disques? Christmas in Hollis de Run DMC, des Wu-Tang Clan, des Mantronix, des Cypress Hill. Et je n’ai rien à redire sur ce disque légendaire.

Album : We Are The Champions / We Will Rock You
Artiste : Queen

V.O. : 1977 Vinyle 7″ simple (R.-U.)
EMI
EMI 2708

En Test : 2017 Vinyle simple 12″

Étiquette : Hollywood Records
D002697911

Une autre rareté. Ce simple 7″ n’avait jamais fait l’objet d’une version 12 pouces. En fait, si, selon Discogs, mais en disque pirate. Alors il commençait à être temps! Récipiendaire de la pire pochette de disque, encore pire que la version originale et il faut le faire, ça reste un incontournable. Les plus observateurs remarqueront que mon disque est sur We Will Rock You (la face B). Je vais remercier EMI de n’avoir pas voulu faire une révision historique, la chanson We Are The Champions étant considérée comme la chanson à promouvoir en 1977. Aujourd’hui, les deux chansons sont indissociables et ils auraient très bien pu décider de mettre les deux unes à la suite de l’autre, surtout que l’album dure un gros cinq minutes, laissant amplement d’espace sur le disque afin de ne pas couper dans la qualité.

Côté gravure, je dois avouer que je suis déçu. Le disque m’est arrivé légèrement gondolé, le disque possède un popcorn très léger. Mais surtout, avec tout l’espace dynamique de gravure possible, ils ont quand même décidé de baisser le volume du rythme à l’arrivée du solo dans We Will Rock You. Sans blague. Au moins, We Are The Champions n’a pas un tel problème, la chanson coule de souche. Bref : c’est pour collectionneurs, c’est embêtant à écouter deux minutes, de changer la face et d’écouter trois autres minutes, et la pochette est laide. Mais ça reste la meilleure version des chansons pour la qualité en vinyle. Pas parfaite, pas ultime, mais très bonne.

Album : The Blackout
Artiste : U2

En Test : 2017 Vinyle simple 12″ (200g?)

Étiquette : Third Man Records, Island Records
TMR-522

Nouveauté de la part de U2, dans le style discothèque du groupe. Comme pub de leur futur album Songs of Experience, ils ont décidé de faire une version en simple de la chanson et la proposer au RSD. Bonne idée! Encore meilleure idée, de faire une collaboration entre Island et Third Man Records, et de produire une version absolument exceptionnelle du disque! Je n’ai pas vu d’indication, mais le disque est au bas mot 180g, j’opte plus pour un 200g personnellement. Le disque est plat comme une crêpe, il est enregistré avec passion et joie, et la qualité est exceptionnelle. Je ne tournerai pas autour du pot en deux paragraphes ici, rien n’est inadéquat… sauf peut-être la version dance de la deuxième face qui fait réellement penser à des remix génériques des années 90. Mais ça, c’est une question de goûts et je ne m’en formaliserai pas.

Album : Chase Me
Artistes : Danger Mouse, feat. Run The Jewels et Big Boi

En test : 2017 Vinyle simple 12″ 33RPM

Étiquette : Sony/Columbia
88985477531

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Pour terminer cet article en rafale, une autre nouveauté, cette fois-ci du breakbeat hip-hop funky, gracieuseté de Danger Mouse à la musique et Run The Jewels aux paroles. Sur cette all-star, on a droit à une chanson amusante à écouter avec de la basse à profusion, un production de qualité et avoir le goût d’écouter le film d’où cette chanson provient.

Pourquoi 33 tours quand on a droit à 8 minutes par face, c’est un questionnement… mais à part un disque légèrement gondolé et un 33 tours, tout est parfait sur ce disque. L’écoute est amusante et sensée, les quatre versions proposées sont parfaites pour les turntablists et scratchers, mais bien entendu aussi pour l’écoute dans le salon.

Réédition RSD 1969/2017: Shocking Blue – At Home

Posted on by Michel Donais

She’s Got It, yeah baby en vinyle bleu!

Album: At Home
Artiste: Shocking Blue

V.O.: 1969 Vinyle en encart
Pink Elephant (Pays-Bas)
888.001

En Test: 2017 Vinyle bleu, étendu, en encart RSD
Reprise de la version 2010 vinyle 180g

Étiquette: Music On Vinyl, Red Bullet
MOVLP119, RB 33195

Shocking Blue est un groupe de La Haye qui a eu un certain succès avec la chanson Venus, reprise une quinzaine d’années plus tard par Bananarama. Dans les faits divers, la chanson Venus n’apparaît pas dans la version originale de l’album, mais bien dans les versions internationales de l’album. C’est d’ailleurs un méli-mélo de versions de cet album qui nous est présentée dans tous les pays, parfois avec, parfois sans Venus. Dans les autres chansons connues de cet album, on compte Long and Lonesome Road, reprise dans Je suis fatigué de Quest Pistols ainsi que des reprises de Nirvana et des échantillonnages par The Prodigy de Love Buzz. Bref : un groupe qui a composé des chansons qui ont fait le tour de la planète, mais un groupe musical qui n’a connu aucune notoriété réelle.

At Home est leur deuxième album, leur premier avec Mariska Veres au chant, celui qui a eu le plus de succès. Mais ça s’arrête un peu là pour le groupe. Et ce n’est pas par manque de qualité, les chansons proposées sont un rock psychédélique assumé, cernant parfaitement l’année du Flower Power, une excellente qualité d’interprétation. Même si on ne reconnaît réellement que Venus dans le lot, reste que le reste de l’album est très solide.

Et cette version… ultime? Il s’agit ici exactement de la même mouture que la version 2010, provenant de la numérisation des bandes maîtresses. On y retrouve les mêmes défauts numériques, y compris un saut numérique à la fin le la deuxième piste, des blancs numériques entre chaque piste. Et à vouloir ajouter du matériel, Music On Vinyl a mis aux alentours de 25 minutes de musique sur la première face, et une vingtaine sur la deuxième, le tout avec le volume maximisé, alors la première face est plus faible qualitativement parlant (et en volume) que la deuxième. La chanson Venus étant la chanson connue du lot, d’une autre session, elle eut droit à un traitement légèrement différent. Elle détonne donc un peu. Autant la qualité du produit est habituellement excellente, autant ça sonne faible, friable, criard, surtout la cithare, surtout dans The Butterfly And I. On n’a pas réellement d’âme sur la version, ce qui est dommage. Très dommage.

On achète si on aime Jefferson Airplane, The Animals, The Mamas And The Papas.

 

 

Réédition 1993/2015: Orbital – Orbital 2

Posted on by Michel Donais

Mortal Kombat!

Album: Orbital (2e album du nom)
Artiste: Orbital

V.O.: 1993 Vinyle double DMM
Internal / FFRR
TRULP2

En test: 2015 Vinyle double 180g

Étiquette: Warner Music Group
TRULP 2

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Dans la lignée des groupes aux noms similaires, il faut mentionner Orbital, The Orb et William Orbit, tous en musique électronique, tous actifs dans les mêmes années, britanniques. Cet album est de Orbital, qui connut un succès retentissant grâce à sa pièce musicale Halcyon+On+On notamment utilisée lors dans la finale du film Mortal Kombat, mais aussi dans bien d’autres films du moment.

C’est bien peu dire de ce duo d’Acid House, dont le succès a été obtenu avant leur premier album dans la scène Rave britannique. Succès assez retentissant pour être passés à Top Of The Pops en promo de l’album Orbital. Deux années plus tard, ils sortirent ce deuxième album, leur meilleur, et une parfaite représentation de musique de danse de ces années. Sonorité vieillie, bien entendu, synthétiseurs du moment, style du moment, mais une sonorité à faire écrouler les murs, à écouter au maximum de son amplificateur avec le caisson graves dans le tapis. Quel album incroyable, et pas seulement pour leur plus grand succès !

Côté sonorité, c’est un album avec une trop grande quantité de musique par face pour être considéré un album pour DJ, il faut se rabattre sur les simples afin d’avoir le maximum. Mais c’est aussi un album avec une sonorité exemplaire, très peu de bruit de fond, une belle qualité sur chacune des chansons. Une première face à onze minutes de musique et une simplicité de produit qui aurait pu en entrer encore plus, une deuxième face avec plus de 20 minutes de musique mixée, c’est un peu un mélange de tout et de rien, mais ça suit la progression de la version originale de 1993 et ça s’écoute superbement. Très belle réimpression de la part de Warner.

Rééditions 1974, 1982/2009, 2017: Roxy Music – Country Life & Avalon

Posted on by Michel Donais

Les pionniers rock, punk, pop, synth, mouture 2009 et 2017

Roxy Music est un groupe de musique archiméconnu, en fait, on reconnaît plus la pochette de Country Life, honnie des censeurs, que le groupe de musique. Et le style qu’ils présentent avec cette pochette ne représente pas du tout le niveau de sophistication de leur musique. Le groupe britannique, démarré en 1970 par Bryan Ferry avec entre autres Brian Eno pour les premières années est une avant-garde du mouvement punk, malgré que leurs chansons soient plutôt bon enfant et sympathiques. Eno quitta rapidement et il y eut quelques changements de cap à travers leur histoire, mais le groupe resta relativement stable avec Bryan Ferry à la voix et clavier, Phil Manzanera à la guitare, Paul Thompson à la batterie et Andy Mackay aux saxophone et hautbois.

Une des caractéristiques de Roxy Music est la qualité relativement constante de leurs offrandes. Les critiques peuvent ne pas aimer ou adorer un disque, les admirateurs vont aimer à peu près tous les disques. Même Flesh+Blood (1980) est aimé et possède son lot de bonnes chansons. N’empêche, je vais me concentrer sur deux de leurs meilleurs albums : Country Life (1974) et Avalon (1982).

Album : Country Life
Artiste : Roxy Music

V.O. : 1974 Vinyle (R.-U.)
Island Records
ILPS 9303

En Test : 2009 Vinyle 180g

Étiquette : Virgin Records
509992 43649 11

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Probablement leur disque le plus connu, c’est un disque étrange alliant le glam rock, le protopunk, la pop, le oldies (pour le temps), les synthétiseurs sur des chansons presque bonbon et une voix glam donnant une impression de Ziggy Stardust avant son temps. L’album s’écoute autant avec un verre de whisky, de bourbon, un cocktail sophistiqué ou une ligne de cocaïne. Les chansons se suivent et ne se ressemblent pas, les styles semblent sortis d’un endroit louche et on comprend mieux l’obsession sur les stylistiques pin-up de leurs premiers albums, jusqu’au style Page 3 du Sun de Stranded (leur 3e album) et de Country Life.

Et la version 2009? Virgin ressortit une version rematricée en 180 g, plus de 10 ans après leur copie CD. Aucune raison apparente, bulle au cerveau de la part de Virgin probablement. Ce que je sais, c’est que l’album sonne friable et la gravure manque de finesse et de souplesse. Bruit de fond, décentrage à la face B, vagues de bruit de fond à la fin de la face A, popcorn. C’est un peu la totale. Quand je dis que je n’aime pas nécessairement les 180 g, c’est pour toutes ces raisons : un disque à grand déploiement sur 180 g va user prématurément les matrices de gravure et si la compagnie pressant le disque ne prend pas un soin exceptionnel afin de remplacer les moules régulièrement et de s’assurer qu’ils ne se sont pas détériorés dans le processus, on va se retrouver avec tous ces problèmes au fur et à mesure des gravures. Bref : je ne suis pas chanceux et hélas la qualité s’en ressent un peu. Votre copie sera probablement meilleure que la mienne. Mais il existe dorénavant la version 2017! Voyons ça avec leur offrande de 1982.

Album : Avalon
Artiste : Roxy Music

V.O. : 1982 Vinyle (R.-U.)
E.G. Records
EGHP 50

En Test : 2017 Vinyle
Universal Music Catalogue
0602537848812

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Leur deuxième disque le plus connu, si vous vous attendiez à la même chose, vous allez être définitivement déçu : exit le début du punk rock, presque exit le rock en fait, ce disque serait un parfait album de Tears for Fears ou de Thompson Twins ou même du Sade. Ils ont décidé que les années 80, c’était pour eux. Adieu aussi le côté rebelle des modèles dénudées. C’est une toute autre bête qui nous est présentée ici, c’est de la pure et dure synth pop, du smooth jazz, limite New Wave avec le petit côté rebelle du groupe punk repenti, sans trop. Regardez la pochette du disque, c’est exactement ça : c’est riche, beau, sympathique. C’est Brian Wilson avec She & Him sur In the Island versus les chansons d’origine des Beach Boys.

Et cette fois-ci, 2017 est-elle une belle année ? Le matriçage d’origine de 1982 a été produit par Bob Ludwig et c’était dans ses excellentes réalisations, c’est assez difficile de faire mieux. La tâche a été laissée à Miles Showell pour faire les versions du coffret 2017, de façon notoire, il a repris les versions numériquement et les a retravaillés en 96/24. À écouter la version d’Avalon, je crois, et quelques manquements analogiques ça et là (dont la dernière minute de While My Heart Is Still Beating) me font penser que la détérioration de beaucoup de bandes commençait à se faire sentir, d’ailleurs, selon ce que j’ai lu, la version numérique daterait carrément de dix années après que la bande maîtresse ait été créée, après, le ruban aurait été irrémédiablement dégradé! Et comme les bons pressings de Roxy Music commencent à valoir leur pesant d’or, je dirais que c’est de bonne guerre que de travailler en numérique. Côté pressing, c’est beaucoup, mais beaucoup mieux que la version 2009. Si vous pouvez, prenez les versions d’origine. Sinon, les versions 2017 sont fort honnêtes même si elles ne sont pas parfaites. Ma recommandation pour les 2017 : Stranded, Country Life, Siren, Avalon. Le reste ne vaut pas réellement la peine.

 

Réédition 1994/2016: Pink Floyd – The Division Bell

Posted on by Michel Donais

Diviser la cloche en deux disques, enfin!

Album: The Division Bell
Artiste: Pink Floyd

V.O.: 1994 Vinyle simple
EMI
7243 8 28984 1 2

En Test: 2016 Vinyle double en encart

Étiquette: Pink Floyd Records, Columbia
PFRLP14, 88875184311

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De la qualité de son. Pink Floyd n’a plus à vanter sa réputation de groupe de rock progressif. C’est aussi le premier (le seul?) groupe ayant pris des semaines de travail intensif de sonorisation afin de produire un spectacle de qualité extraordinaire au Stade Olympique de Montréal pour leur tournée « In the Flesh Tour » en 1977. Selon tous ceux qui étaient présents au spectacle, ils sont tombés en bas de leur chaise. Pour au moins un autre, il s’est fait cracher dessus par Roger Waters, s’ensuivit la production de The Wall et le reste fait partie des annales de l’histoire du rock. Pour moi, The Division Bell, ça représente le seul spectacle de Pink Floyd que j’ai pu voir, et quel spectacle!

De presser le citron. Pour prendre quelques instants avec son disque-sœur… J’ai beaucoup de disques de Pink Floyd, qu’ils soient en vinyle ou en CD. Et même si la qualité est très bonne pour le disque de The Endless River, ça reste un disque produit avec les nombreux extras du disque The Division Bell. Aussi, un glitch électronique au beau milieu de ma gravure m’a totalement laissé sur ma faim. Belle gravure, le vinyle y ajoute de la chaleur appropriée au rock progressif, mais la version ultime, à mon avis, reste la version en Blu Ray. N’empêche que l’album vinyle s’écoute comme un bonbon… et ce ne sont que les restants de The Division Bell. Pour moi, l’album d’origine reste une référence en la matière de rock ambiant progressif.

De ne même plus savoir qui fait quoi. La version originale de The Division Bell était gravée avec des versions radiophoniques raccourcies des chansons afin de le faire entrer sur un seul disque vinyle (hérésie!). La version de Russie et de Corée du Sud a été les chanceux à avoir des versions sur album double, avec une petite parole coupée à la toute fin. Et en 2014, pour le 20e anniversaire de l’album, Parlophone fit une version rematricée à partir des rubans maîtres. Pour la version vinyle, ils demandèrent à Doug Sax de se pencher au problème (en même temps que la version de The Endless River), et quel résultat! Ce n’est pas une simple petite version réalisée à la va-vite. C’est un chef d’œuvre, et pour la première fois, en version complète! Deux ans plus tard, Columbia fit une version rematricée à nouveau, cette fois-ci par James Guthrie, Joel Plante et Bernie Grundman, et c’est ce qui est écrit sur l’étiquette du disque… mais des fous sur Internet (merci, Discogs) se sont rendu compte qu’il s’agit en fait de la même version réalisée par Doug Sax deux années auparavant. Ce n’est pas un problème, la version étant exceptionnelle, mais ça aurait été sympa de donner à César ce qui lui revient.

De prendre son pied! Vous aurez compris que la gravure est exceptionnelle, au point où même Pink Floyd Records a décidé, de concert avec Columbia, que la version vinyle se devait d’être celle de Sax. Je n’ai absolument, mais absolument rien à redire sur cette version! Numérique? Ça ne s’entend pas vraiment. Produit par un passionné, pour des passionnés, avec toute la qualité nécessaire. Aucune limitation apparente. Ça reste du rock, alors compression et effets, bien entendu… mais rien qui déplaît aux oreilles. Quelques petits bruits divergents entre quelques pistes, c’est tout. À mettre à tue-tête dans vos écouteurs préférés dans le noir avec les portes fermées, à un niveau où vous empêchez votre mère de dormir deux pièces plus loin (histoire pas du tout vécue, mais non voyons!)

 

Réédition 2000/2016: Trame sonore de Requiem for a Dream

Posted on by Michel Donais

Joyeux Halloween en drame psychologique!

Album: Requiem For A Dream
Artiste principal: Clint Mansell featuring Kronos Quartet

V.O.: 2000 CD
Nonesuch
79611-2

En Test: 2016 Vinyle double en encart (Édition RSD 2016)

Étiquette: Nonesuch
553787-1

Ce n’est pas un secret que je ne suis pas un admirateur de trames sonores. Les vinyles des trames sonores sont habituellement des ramassis de chansons disparates, de qualités différentes, parfois avec une trame narrative qui nous est imposée. Il y a bien évidemment des exceptions avec des trames sonores d’exception, mais je préfère habituellement aller chercher les albums complets des artistes m’intéressant. L’exception majeure à la règle est lorsque la trame sonore est composée pour le film en particulier. Blade Runner par Vangelis est un parfait exemple; Koyaanisqatsi de Phillip Glass en est un autre. Tout ce qui est fait par Williams (allant d’Indiana Jones à Star Wars) est exceptionnel bien évidemment.

Requiem For A Dream est un drame psychologique presque d’horreur absolument incroyable, l’atmosphère est à couper au couteau et est aidée de main de maître par le quatuor Kronos Quartet; les compositions électroniques de Clint Mansell (qui travailla beaucoup avec Nine Inch Nails) sont parfaitement à point. Est-ce que toutes les petites pièces de deux secondes méritent d’y être? Pas vraiment… ça donne un album décousu qui est difficile à écouter en tant qu’œuvre. Mais ça reste passionnant et les quatre faces du disque double nous donnent des univers totalement différents à chaque fois, mais avec toujours le même thème.

Et côté qualité ? Le disque double est une très belle gravure, un peu brouillonne parfois, mais de très belle qualité. Ma face 1B, par exemple, possède du bruit de fond à revendre. La quantité de musique par face est adéquate, mais appréciable, surtout en tenant compte des espacements entre chaque pièce. Il y a un peu de bruit de fond, mais sans trop, il y a beaucoup pire dans la vie. Non, sans blague, la qualité de la gravure du vinyle est excellente! Là où c’est plus difficile, c’est l’amont avec le MOTU de l’an 2000. Simplicité de production et montage du temps, aucun fondu d’entrée ou de sortie dans les pistes, les univers apparaissent et disparaissent avec chaque montage. Dans les exemples, la chanson Fall : Ghosts-Falling où on entend le quatuor apparaître soudainement et jouer en boucle est troublant. Mais ça, ce n’est pas une question de gravure, c’est une question de moyens de production du temps. Ça reste aussi un film dont la trame sonore, même si importante, a été finalisée à la va-vite, avec une attitude « good enough » et ça reste donc une des raisons pour lesquelles je n’aime pas les trames sonores.

Réédition 2004/2017: The Secret Machines – Now Here Is Nowhere

Posted on by Michel Donais

Machines secrètes en blanc et rouge

Album: Now Here Is Nowhere
Artiste: The Secret Machines

V.O: 2004 Vinyle double en encart (Europe)
Reprise Records, 679 Recordings
9362 48544-1

En Test: 2017 Vinyle double en encart numéroté

Étiquette: Run Out Groove, Reprise Records, 679 Recordings
ROGV-008

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The Secret Machines a eu une vie courte, mais intense. Groupe alternatif indépendant de rock qui a été comparé à trop de grands (Led Zeppelin et cie! Sérieusement?), a eu quelques moments chanceux de publicité et a pu faire des spectacles en première partie de beaucoup de grands. La musique qu’ils produisent est tout aussi intense : du gros rock très sale, avec beaucoup de distorsion, des claviers électroniques, de la guitare et basse à profusion et un batteur jouant avec vraiment trop de verve. C’est un groupe tout-ou-rien.

Arriva Now Here Is Nowhere, leur premier disque. Quelques succès d’estime, une chanson utilisée dans un jeu vidéo, et une belle lancée. Ce disque vinyle de 2004 a su exiger un prix prohibitif, se nichant dans la zone grise entre un indépendant ne pouvant sortir trop de copies par manque d’intérêt général et un disque commercial qui n’a pas assez de copies pour plaire à tous les acheteurs potentiels. Merci à cette édition (encore une fois) limitée, on a droit à une nouvelle version un peu plus abordable, respectant en tous points la version originale de 2004.

Et le disque double, justement ? Il est bizarre. La face 1A et 2B n’ont qu’une longue chanson, jouissive de qualité, aucune compression apparente, de la force, de la basse, de l’âme. Et les faces 1B et 2A ont entre 12 et 16 minutes chacune, matériel à volume légèrement réduit et beaucoup plus compressé. C’est donc deux niveaux de bêtes dans le même disque. Est-ce que ça veut dire que la sonorité est affectée? Mmm, un peu! Ça aurait pu être mieux distribué sur les faces, même si je conçois le message que le groupe a voulu passer et que les chansons 2 et 3 (Sad and Lonely et The Leaves Are Gone) devraient être jouées en suite. Mais on y perd un peu. N’empêche, les explosions de puissance du groupe y sont, ainsi que la basse omniprésente. Donc devrais-je réellement me plaindre? Ouf! Quel disque! À jouer à tue-tête!

On achète si on aime Interpol, Broken Social Scene, Malajube, The Stills.

Réédition 2016/2002: Sigur Rós -( )

Posted on by Michel Donais

Entre parenthèses…

Album : ﹙﹚
Artiste : Sigur Rós

V.O. : 2002 Vinyle
FatCat Records, [PIAS] Recordings
fatlp22, piasv122dlp

En Test : 2016 Vinyle double 140 g en encart

Étiquette : Krúnk
krunk10blp

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Sigur Rós est un groupe islandais ayant célébré ses 20 ans bien sonnés et bien travaillés en 2014. Ils n’ont jamais arrêté de jouer, de donner des concerts, de produire des nouveaux disques. D’abord un groupe plutôt rock, de type shoegaze, ils ont fait la légère adaptation vers le post rock assez rapidement et n’ont jamais regardé en arrière. En fait… si… ils ont regardé en arrière fréquemment. Sigur Rós utilise beaucoup de matériel des disques précédents, se ressource sur leurs anciennes compositions; autant de clins d’œil, mais aussi bâtir sur des fondations de plus en plus solides et étoffées.

1994, l’année du post rock! Cette même année, un groupe bien montréalais, Godspeed You! Black Emperor, est aussi apparu sur la planète. Les deux groupes ont plus d’une ressemblance, mais où GY ! BE est plus dans le rythmé, Sigur Rós est dans l’ambiant; GY ! BE est immensément politique quand Sigur Rós y va dans les émotions. Beaucoup vont comparer les deux groupes, exercice futile à mon avis : GY ! BE est un groupe fièrement indépendant, communautaire, marginal quand Sigur Rós est un groupe à la portée plus large, rassembleur, consensuel. C’est comme comparer la chaîne Sunrise Records à Fréquences le disquaire : les deux ont leur place dans l’univers et la où un arrête, l’autre continue.

L’album ﹙﹚ est celui de l’arrivée au succès. Leur premier album, Von, est expérimental et shoegaze. L’album Von est aussi précurseur d’un mouvement où le vide est nécessaire. Une chanson est carrément vide (18 Sekúndur Fyrir Sólarupprás) et une autre démarre avec plus de six minutes de blanc avant de jouer un deux minutes d’une chanson précédente à l’envers. Leur deuxième (Ágætis Byrjun) a été produit à travers le monde et connut un succès entre autres en Grande-Bretagne. Il faut dire que nos amis britanniques avaient déjà Radiohead depuis plus d’une dizaine d’années, groupe pop rock, mais aussi ayant ses influences sur le post rock. Enfin, en 2002, un album dont le seul titre semble être des parenthèses. Aucun texte, aucun titre de chanson, rien. Album en deux parties avec un long silence entre les deux parties (le vide, encore). Une partie plus ambiante, une partie plus rock. Leur premier simple de cet album devint #1, gagna le meilleur vidéo aux MTV EMA, fut sélectionné aux Juno aussi… et avait le titre « Untitled #1 ». Plus tard, le groupe donna des titres officieux afin de s’y retrouver eux-mêmes, mais l’album est résolument dénudé d’indications.

Et côté sonorité ? C’est un peu le problème des groupes avec beaucoup de dynamisme : désirer garder un volume conséquent à travers une chanson, que le début, relativement dynamique, ne soit pas au niveau chuchotement quand l’emportée musicale démarre. Et pourtant, c’est un peu ce que le groupe aurait dû faire à mon avis. C’est le même problème qu’avec le groupe Avec Le Soleil Sortant De Sa Bouche, qui joue du post hard rock à tendance disco. Leur album Pas Pire Pop  [I ❤️ You So Much] démarre tellement fort qu’ensuite, après un peu d’augmentation, on a l’impression que le disque devrait jouer plus fort, mais il ne le fait pas. L’envolée reste à plat. La dernière chanson de ﹙﹚, qui est encore utilisée à la fin de leurs spectacles, est une envolée spectaculaire qui reste au même volume tout le long de la chanson, faisant seulement un écrêtement et une limitation progressive. Pourtant, sur tout l’album, on a droit à des faces de 15-20 minutes, ils auraient pu conserver le même volume à travers l’album entier… mais la quatrième face n’a que cette chanson d’une dizaine de minutes. Ils auraient pu démarrer la chanson avec le même volume qu’ailleurs, et briser le mur du son pour la finale de l’album. À la place, on a droit à de plus en plus de distorsion et une perte de fidélité à niveau réduit. Enfin… Choix de production, j’imagine.

On achète si on aime Godspeed You! Black Emperor, Radiohead, Avec Le Soleil Sortant De Sa Bouche, A Silver Mt. Zion.