5 albums très difficiles à trouver et essentiels pour les fans du groupe seront réédités le vendredi 2 novembre prochain. Festival de la couleur psychédélique, pochettes funky et emballages améliorés. Pré-commandes web et réservations en magasin fortement suggérées en cliquant sur l’image. On a aussi bien pris le temps de bourrer les fiches de chaque album de détails pertinents!
New Wave Progressif québécois des années 80!
Album: Zip
Artiste: Zipper
En Test: 1985; Vinyle
Étiquette: La Collection; P.C.R. 850315
Ce disque est une rareté d’il y a 30 ans. Il se trouve parfois en disque usagé si vous êtes chanceux!
Ce groupe méconnu de Québec est un peu un anachronisme dans le milieu musical québécois. Non seulement le groupe faisait dans un style de new wave plus rock qu’électro, mais il a été produit et enregistré par feu le grand Denis Champoux, auteur-compositeur-interprète tout d’abord connu pour son côté rock avec Les Megatones entre autres, mais ensuite pour être tombé en amour avec la musique country d’ici. À partir de ses interprétations personnels, en passant par son étiquette La Collection, mais surtout avec son studio d’enregistrement de Cap Rouge qui a vu passer les plus grands du country, il a été une figure emblématique de la musique québécoise.
Mais il faut aller plus loin que de parler d’une folie de producteur avec Zipper. Les musiciens ont roulé leur bosse de nombreuses années, d’une collaboration à l’autre, d’un groupe à l’autre. Jacques Perron, le guitariste rythmique et homme à tout faire du groupe, a même fait la première partie de Roxy Music au Palais du Commerce de Montréal en novembre 1975. Après sa formation en 1980, le groupe a été sélectionné au concours Ville de Nuit de 1983, pour ensuite faire son premier concert en 1984 au Café Campus où M. Champoux leur proposa de réaliser leur premier disque avec lui. Le disque Zip, leur seul, fût terminé l’année d’après.
Ce disque est en deux parties vraiment distinctes. La première face est plus composée de chansons style pop-rock new-wave, avec des progressions d’accords parfois un peu douteuses, la voix de Richard Fouquet un peu incertaine comme on les aime (que celui qui n’aime pas Men At Work et The Smiths lance la première pierre). La deuxième face est réellement plus dans le style rock progressif, avec un concept se suivant toute la durée du côté de disque, des solos de guitare, etc. On reste dans la musique relativement simple, on ne réinventera pas le 12 cordes ici, mais ça donne une bonne touche et ça paraît que les musiciens s’amusent.
Pour la sonorité, le disque est très bien enregistré et représente bien une ère musicale. C’est exactement un disque des années 80 comme il se doit. C’est aussi un peu générique, on ne sent pas exactement le meilleur arrangement qu’il soit, c’est un disque réalisé en une vingtaine de jours avec les musiciens du bord. On ne sent toutefois pas qu’il manque quoi que ce soit. Ce n’est pas une hyper-production 200 voix de console avec une centaine de rubans par chanson et un chœur triple juste pour la forme, mais ça colle parfaitement bien avec le style du moment, et ce qu’ils désiraient réaliser.
D’accord on l’avoue! Nous avons un faible pour la musique d’Alexandra Stréliski et nous voulons la faire découvrir au plus grand nombre de gens possible. Si vous aimez Max Richter, Chopin, la bande sonore d’Amélie Poulain, Erik Satie, la série de Gonzales au piano solo et bien mademoiselle Stréliski sera votre nouvelle coqueluche! Session d’écoute exclusive en magasin ce vendredi 5 octobre avec de très beaux cadeaux à l’achat du nouveau disque. Apporter votre vin / bière pour un 4 à 7 du début d’automne!
En extra de Ruins!
Album: Tender Offerings
Artiste: First Aid Kit
En Test: 2018; Vinyle 10po 45RPM
Étiquette: Columbia Records; 19075875017
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Acheter le disque vinyle “Ruins” chez Fréquences
Plus tôt cette année, j’avais fait une critique de l’album Ruins des sœurs Söderberg. J’étais resté un peu sur ma faim à propos de l’album côté qualité, les chansons étant chaleureuses et des cris du cœur, mais la sonorité finale du disque étant très froide. C’est un peu comme s’ils m’avaient écouté avec ce petit EP.
On débute avec une longue chanson intimiste, I’ve Wanted You, où la guitare et les voix ressortent très bien; pour ensuite avoir la chanson Tender Offerings, chanson à plus grande échelle. Le deuxième côté est un peu plus «extras de face B», avec des sonorités très différentes, faisant moins un ensemble que le premier côté, mais il y a un petit quelque chose sur ces chansons quand même, seulement la qualité qui y est plus brouillonne.
Si je désirais avoir de l’authenticité et de la chaleur, ceci dit, j’en ai. Bonne qualité, peu de bruit de fond, instruments clairs et beaux. Production inégale, mais il faut s’attendre à ça d’un disque d’extras.
Un numéro un pour la chanteuse Jain!
Album : Souldier
Artiste : Jain
En test : 2018; Vinyle double; 45RPM
Étiquette : Sony, Columbia, Spookland; 19075854101
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En mars, j’avais fait la critique de Zanaka, premier album de Jain (critique que vous retrouverez ici). Ce premier album avait fait partie d’un effort de la part de Columbia de faire connaître l’artiste Jain ailleurs que dans sa France natale. Tant mieux, l’album était en effet très bon. Et pour Souldier, son deuxième album, on y a accès en même temps à travers la planète. La chanteuse poursuit sur sa stylistique Reggae-Jamaïque-Caraïbes, enlève le côté africain, mais y ajoute ici des passages Moyen-Orient et tente un peu le Rap à sa façon toute personnelle, le tout, toujours en anglais. Grand bien lui en fait, celle qui a gagné deux Victoires en 2017 (Meilleur clip et Artiste féminine de l’année) est numéro un des ventes depuis lundi en France et débute le mois prochain une tournée internationale qui nous permettra de l’accueillir au Zénith de Saint-Eustache le 25 octobre 2018.
D’emblée, son premier disque Zanaka était sur un format maximisant la qualité, avec deux faces de dix minutes et deux faces de six minutes en 45 tours. On retrouve le même format avec Souldier, soit dix chansons d’environ trois minutes sur quatre faces en 45 tours. Je n’ai pas grand-chose à redire sur les impressions ni la qualité du matriçage, c’est du gros volume, c’est de la basse à profusion, des instruments francs et nets (mais beaucoup étant numériques), c’est parfaitement utilisable par les DJ.
Là où j’ai, encore une fois, de la difficulté, est où elle persiste et signe avec des faces à deux chansons de trois minutes. Je reste sur mon idée que ce genre de disque aurait pu être mis sur trois faces et de conserver la quatrième pour des versions remixées par des DJ de renom, ou encore une ou deux versions étendues, en direct, bref, une face de chansons éditions spéciales pour les fous qui achètent le vinyle ou pour les clubs désirant faire jouer son disque à tue-tête. En bonus, nous permettre d’écouter le disque plus de six minutes avant d’avoir à se lever pour changer à la face B.
Retour du glitch et du field recording
Album: Transit
Artiste: Automatisme
En Test: 2018; Vinyle; 180g
Étiquette: Constellation; CST135
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Automatisme est le projet de William Jourdain, connu chez Fréquences comme un des fous vous proposant ses sélections en travail de jour. C’est un passionné de la théorie musicale, de l’exploration, des artistes poussant la note toujours plus loin. Le 1er octobre 2016, j’avais déjà écrit une publication sur son premier album chez Constellation dans le temps que je les faisais sur mon Facebook. Voici cet article (presque) verbatim (avec quelques fautes d’orthographe corrigées) en encart pour ceux qui ont un intérêt.
Automatisme – Momentform Accumulations
OK, je suis violemment biaisé. Pub copinage! C’est le premier album « grand label » et premier vinyle de mon pote William! C’est aussi son disque le plus accessible. Ses premiers disques autogérés étaient excellents, mais beaucoup plus expérimentaux et cérébraux. Cet album est définitivement d’une autre mouture. En fait, cet album ambiant se danse très bien! Le côté glitch est très assumé, mais il est aussi mis en veilleuse par rapport à l’émotion. Un petit côté assumé industriel et Krautrock-ish viennent conclure le deal.
Côté réalisation, ce disque torche des culs. Il a beaucoup de basses, un noise floor très bas, de la force de caractère. Certaines fréquences ont de la difficulté à certains moments et sont difficiles côté phase, la basse très grave est entre chien et loup. Les aigus sont parfois omniprésents, parfois tronqués. Le choix de laisser une bonne quantité de dead wax afin de préserver au maximum les hautes fréquences au détriment des basses est un choix judicieux, surtout que le matriçage met déjà l’emphase sur ces dernières. La gravure est dynamique et les attaques précises, trait nécessaire à ce type de musique.
Longue vie à Automatisme, Constellation Records et William !
Transit, le dernier volume de la part d’Automatisme, est encore une fois relativement accessible, on y retrouve d’ailleurs un peu la signature post-rock réputée de Constellation, mais avec du glitch et de l’électro à la place de la guitare électrique. Les pièces musicales sont regroupées en un grand tableau pour la première face, un peu comme les fresques à la Slow Riot For New Zero Kanada de GY ! BE, et de plus petits tableaux sur la deuxième face. En stylistique, on se fait plonger dans des ambiances différentes, on se laisse emporter dans différents univers connectés ou disjoints, qu’on peut écouter de manière cérébrale ou naïve. Je vous invite d’ailleurs à écouter un documentaire d’un de nos grands compositeurs à ce propos afin de vous guider à l’écoute plus cérébrale du Field Recording.
Côté sonorité, il y a un intérêt à faire une étude comparative entre le premier album commercial d’Automatisme et ce tout dernier, les deux ayant une signature sonore totalement différente. Malgré que ce soit Harris Newman qui ait réalisé les deux matriçages, les albums ne se ressemblent pas du tout. La version téléchargeable de Transit est d’ailleurs aussi d’une différente sonorité que le vinyle. Après une petite enquête auprès de l’intéressé, le disque vinyle a été matricé avec un prérequis différent de la version numérique, là où la compression est plus accentuée afin de permettre une écoute dans des différentes conditions. En comparaison, le premier disque, Momentform Accumulations, a une spatialisation plus simple et des montages avec des niveaux d’interaction moindres. En d’autres mots, si je dois décrire les albums, Momentform est un album typiquement numérique, même en vinyle. Les plages de fréquences changeant constamment de volume étant une preuve de la maximisation numérique préalable au matriçage. En opposition, on a les deux versions avec Transit. Une première accessible en téléchargement, prêt à l’écoute, avec un volume plus égal à travers l’œuvre, mais avec des fréquences plus variables et un effet de gating plus présent, ce qui se traduit en une plus grande présence de chaque instrument et chaque intervention, qui donne un effet dans notre face.
Et la deuxième, accessible en vinyle, est celle qui mérite notre attention pour cet article. Ce n’est pas un travail simple que de faire un matriçage des albums d’Automatisme. Il faut pouvoir décoder qu’est-ce qui est un effet de volume limité voulu, qu’est-ce qui doit ressortir par-dessus le reste, et qu’est-ce qui est un effet incidental au matriçage numérique à volume élevé. Je vous laisse en écoute de Bureau 1, la deuxième partie du tableau de la face A, pour vous faire une idée du travail d’étude de l’œuvre requis. En plus, la première face est fort bien remplie, avec plus de 20 minutes de musique complexe.
Le niveau d’enregistrement du vinyle est beaucoup plus bas que Momentform ou que la version numérique de Transit, mais en contrepartie, on a droit à un beaucoup plus grand dynamisme. On a aussi droit à des mouvements, le premier Bureau 0 débutant avec un volume faible, avec un ajustement marqué mais naturel vers Bureau 1. Les maximisations et limitations de volume sont limitées à quelques parties les nécessitant, dont la finale avec Bureau 3, dont le glitch maximisé fait partie de l’étude de style de la part de Harris Newman. J’y ai trouvé mon pied : quand la basse omniprésente arrive, les autres instruments ne réagissent pas; quand les glitchs apparaissent, on a soit l’impression qu’ils coulent de souche, ou qu’ils viennent détruire l’ordre établi; quand on a des moments de compression sonore sporadique, ils mettent l’emphase sur un événement en particulier. Ces changements sont heureux si on joue le disque avec un volume plus élevé, mais moins avec une écoute d’ambiance. Si vous avez une bonne chaîne stéréo avec un bon caisson d’extrêmes-graves, sautez sur le vinyle! Très belle gravure!
On achète si on aime Fennesz, Simon Scott, The Synthetic Dream Foundation, Vladimir Manovski, Moderat, Uwe Schmidt (Lassigue Bendthaus, …).
EP Québ pop folk en deux ambiances!
Album : Epilogue
Artiste : Matt Holubowski
En Test : 2018; vinyle 10po.; 2018 RSD
Étiquette : Audiogram; 190758060415
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La preuve que La Voix peut parfois mener loin, j’écris bien ici à propos de l’artiste montréalais bilingue qui a été dans l’équipe de Pierre Lapointe en 2014-2015, se rendant jusqu’en finale. Matt Holubowski, ayant clairement touché une corde sensible avec les personnes le découvrant, a été signé peu de temps après la saison par Audiogram. C’était une formalité pour ces derniers, le premier disque de 2014 d’Holubowski, « Ogen, Old Man » s’est écoulé à environ 15 000 exemplaires, tous assemblés à la main par l’artiste lui-même.
Plus tard en 2016, Matt Holubowski sortit un premier album avec Audiogram, « Solitudes ». Il est d’ailleurs toujours en tournée avec le matériel de ce dernier. Mais deux années, c’est long. Alors il a tout de même pensé à nous et a produit un beau petit disque étendu, une première face avec deux chansons avec une plus grande orchestration, et une deuxième face avec des chansons plus simples, avec voix, guitare et très peu d’orchestrations.
Pour la qualité, le disque est impeccablement enregistré, très simple, très efficace. En même temps, le médium du disque vinyle a été plus ou moins créé pour ce genre de pièces, ajoutant juste la bonne quantité de chaleur nécessaire à bien rendre cet artiste bien de chez nous. Malgré une dizaine de minutes par face, le disque de dix pouces s’en sort parfaitement bien, la musique étant très disparate, permettant de bien moduler la gravure et de maximiser l’espace utilisé. Le disque n’est donc pas compressé outre mesure, il n’a pas de bruit de fond, ni une coupure forte sur les hautes fréquences. Très bon travail de Marc Thériault au matriçage, lui qui a été sollicité entre autres par Marie-Mai, Safia Nolin, Steve Hill ainsi que par Ariane Moffatt, et ce, cette année uniquement. [Je ne m’étends que rarement sur l’équipe technique, mais je dois mentionner qu’il a effectué le matriçage de l’excellent CD classique New Worlds d’Ana Sokolovic distribué par Analekta — sautez dessus!] De retour sur notre disque après ce petit aparté, en d’autres mots, par design, ce genre de disque est fait pour les disques vinyle, et à moins de travailler très fort pour massacrer le produit final (ce que beaucoup réussissent hélas – d’où l’utilité de ma chronique), le résultat va être excellent. Hâte de voir le prochain disque!
Retour de la légende, fils cadet!
Album : Black Times
Artiste : Seun Kuti & Egypt 80
En Test : 2018; vinyle double en encart
Étiquette : Strut Records, !K7 Label Group; STRUT163LP
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On a parfois la chance d’avoir de grandes familles musicales. On peut penser aux Marley bien entendu, et ici, on a droit aux Kuti. D’abord avec Fela Kuti (1938-1997), qui nous a habitués aux longues chansons d’une quinzaine de minutes sur un thème. Ensuite, avec son plus vieux fils, Femi Kuti, grand saxophoniste avec paroles toujours aussi incendiaires, reprenant bien l’Afrobeat de son père. Finalement, nous avons ici Seun Kuti, le plus jeune des fils de Fela, célébrant ici son dixième anniversaire d’enregistrement de disques avec le groupe de son défunt père Egypt 80. Black Times, un excellent disque suivant la tradition familiale d’Afrobeat, possède des chansons beaucoup plus courtes (moins de dix minutes par chanson), mais tout aussi incendiaires. La chanson-titre du disque est jouée de concert avec Carlos Santana à la guitare électrique, ce qui ajoute une touche magique au tout.
Il faut faire confiance à Strut pour produire de si grands disques. Il est rare d’avoir de mauvais produits avec cette étiquette, spécialisée dans la réédition de vieux disques. Mais ici, leur étiquette parente !K7 Label Group continue de leur donner carte blanche avec des exceptions confirmant la règle, en produisant des disques de nouveaux contenus. Malgré l’utilisation de moyens modernes, toute l’équipe de production, de Pierre Dozin à l’enregistrement (faisant affaire avec Seun depuis 2015), Qmillion au montage (ayant entre autres gagné un Grammy en 2013 pour Black Radio de Robert Glasper), jusqu’à Frank Merritt au matriçage vinyle (travaillant avec Strut depuis quelques années, dont le projet de réédition de Fẹla – Live In Detroit 1986), ont fait de leur mieux afin de conserver l’énergie et la sonorité propres à l’Afrobeat. De la basse à profusion, une simplicité d’arrangements malgré la quantité d’instruments, une sonorité coulante de souche donnant le goût de danser. Enfin différent de ce que Fela faisait, une belle progression du style musical, tout en restant déférent. Longue vie à Seun!
La coqueluche jazz modal-bop YouTube sur une nouvelle étiquette vinyle!
Album : Scenery ジーナリィ
Artiste : Fukui Ryo Trio 福居良トリオ
V.O. : 1976; vinyle; Japon; Trio Records; PA-7148
En Test : 2018; vinyle 180g
Étiquette : We Release Jazz; WRJ001LTD
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La musique d’inspiration internationale est un cas spécial au Japon. Depuis la fin du 19e siècle est arrivée l’influence du reste de la planète côté arts. On peut le voir en musique avec l’arrivée progressive du classique, de l’écriture musicale occidentale, et plus tard du jazz dans les années 1930. Avec la Seconde Guerre mondiale, beaucoup de ces influences de l’Ouest sont devenues illégales, étant la musique de l’Ennemi. Après la guerre, le Japon conserva un certain protectionnisme sain, mais continua de s’ouvrir sur le monde. Beaucoup des pièces musicales dans des styles plus occidentaux se doivent de conserver un certain style japonais. Par exemple, le grand Takeshi « Terry » Terauchi, un des meilleurs guitaristes de style rockabilly surf, emprunte un style de jeu au Koto et lorsque ses chansons, jugées trop occidentales, ne pouvaient plus être enseignées à l’école, il reprit dans son style rock des grandes chansons classiques japonaises.
Il y a eu donc un très grand engouement pour la musique jazz, mais cette dernière n’a jamais été mise à l’avant. Arriva Ryo Fukui (1948-2016) qui aimait ce genre de musique, mais n’avait rien d’un musicien. Autodidacte, il décida d’apprendre à jouer le piano par lui-même, et avec sa passion, devint un des meilleurs pianistes jazz d’improvisation en direct. Ses quelques albums en disent bien peu sur son illustre carrière, assez grande pour qu’il puisse s’ouvrir son propre club jazz, le Slowboat dans sa ville de Sapporo natale. Sa qualité de musicien est telle, tout en restant totalement cachée à la face du monde, qu’un simple vidéo de son premier album apparut sur YouTube en 2015, et depuis, cette copie numérique est rendue à plus de 6 millions d’écoutes au moment de la publication de ce billet.
Avec une telle folie, l’étiquette suisse WRWTFWW (We Release Whatever The Fuck We Want – le meilleur nom d’étiquette!) se dit qu’il était temps de diversifier ses activités et démarra une branche, WRJ (We Release Jazz), dont les deux premières offrandes sont les deux premiers disques de Fukui Ryo. Et quelle version! Autant je vous avais précédemment parlé de rock japonais qui n’avait pas une qualité exemplaire de bande maîtresse, autant celle-ci est tout simplement exceptionnelle! Récupérée des bandes à demi-vitesse, WRJ a mis tous les efforts nécessaires afin d’obtenir la version ultime de ses albums. Le disque pour Scenery est tout simplement parfait! Une superbe qualité sonore, un parfait écrin qui sied un tel bijou de disque.
Si vous aimez le jazz cool, modal et bop, sautez sur les quelques copies restantes de ce disque, vous n’allez pas le regretter!
Le Boléro de Ravel, à lire à l’envers!
Album : oreloB
Pièces : Maurice Ravel – Boléro; Maurice Ravel – La Valse
Artiste : Orchestre Philharmonique des Pays-Bas; Carlo Rizzi, Cond.
En Test : 2013; vinyle 180g gravé du centre
Étiquette : Tacet; TACET L207
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C’est l’histoire un peu spéciale de quelques fous de la technique qui se sont posé la question de comment bien rendre le Boléro sur un disque vinyle. Cette pièce a toujours été problématique. En effet, le système de disque vinyle peut être décrit comme étant à vitesse angulaire constante, donc, faire un tour de 360 degrés sur la table tournante prend toujours exactement le même temps. Ça veut dire que si on remplaçait l’aiguille de la table tournante par une petite roue, on verrait qu’au début du disque (l’extérieur), la roue roule réellement vite, et plus on se rend près du centre à la fin de la face, plus elle roule lentement. C’est sans compter que les aiguilles de table tournante sont habituellement ajustées à ce qu’elles soient droites au quart et à la moitié du disque, de façon à maximiser la qualité sur la majeure partie du disque, donc, plus on s’approche du centre, plus l’aiguille est décentrée. Ceci est contrairement à un CD qui est à vitesse linéaire constante, soit qu’au centre du CD (son début), le CD tourne rapidement, et plus on s’approche du bord (la fin), plus le disque ralentit. Si on mettait une petite roue sur le laser, la roue tournerait toujours à la même vitesse, que ce soit au début du disque ou à la fin du disque.
Les disques démarrant au centre existent, mais ils sont très rares. On peut penser à Lazaretto de Jack White sorti une année après cette version du Boléro, qui a une face jouant à l’envers aussi, mais lui, c’est parce que c’est un fou, alors ce n’est pas pareil!
Alors pour revenir à notre pièce de musique, le Boléro est un cas spécial, la pièce démarrant très faiblement et le volume devenant de plus en plus fort de façon linéaire jusqu’à une apothéose sonore où tout l’orchestre joue les quelques dernières notes, avec percussions en prime. De démarrer le disque au centre lors de la partie la plus faible de la pièce, où l’aiguille passe sur moins de vinyle et donc risque de ramasser moins de bruit de fond, et d’aller vers la bordure, où toute la complexité et la force orchestrale peuvent être mises à profit, est une excellente idée.
Je vais faire un petit aparté sur l’interprétation, tout de même. Le Boléro de Ravel est « la » pièce mise de l’avant par Charles Dutoit lors de son long séjour à la barre de l’Orchestre Symphonique de Montréal, on a eu droit à des années où cette pièce était jouée à chacun de ses concerts gratuits en plein jour. Disons que nous avons, avec le temps, eu droit à des versions assez impressionnantes, voire impeccables. D’autres orchestres ont su comprendre comment bien jouer cette pièce, simple et problématique (l’interprétation de Von Karajan est particulièrement bonne), qui doit être jouée de main de fer, avec précision et clarté. C’est une véritable torture pour le percussionniste qui se doit de donner le ton à tout le reste de l’orchestre, sans se tromper, en augmentant graduellement la force de frappe, sans jamais s’arrêter. C’est aussi une complexité pour tous les instruments de l’orchestre, qui ont droit à leurs moments de solo, avec légères particularités. On pense aux cuivres qui doivent sortir une version jazzée, mais tout en restant à un volume constant, s’emporter sans le faire. Bref : ce n’est pas donné à tout le monde, et ce n’est pas donné à cette version actuelle, qui est honnête, mais qui n’est pas une très grande version.
Pour le reste, côté qualité, la meilleure chose que je puisse dire, c’est que le disque est très bien enregistré, il n’a aucun défaut de lecture. Je considère que certains instruments sonnent un peu électroniques à quelques reprises, mais techniquement, il n’y a rien à redire sur l’écoute du Boléro lui-même. Je remets en question La Valse, qui n’est pas aussi adaptée à une écoute à l’envers, malgré que ça ne lui fait pas de mal. J’aurais personnellement plus opté pour l’Ouverture 1812 de Tchaïkovski comme étant une face B naturelle, peut-être avec des vrais canons de façon à concurrencer la version Telarc, ou, à mon avis, la version Mercury, qui est légèrement moins dynamique, mais pour lequel l’orchestre est réellement meilleur.
Pour audiophiles (bref : sonorité impeccable, interprétation adéquate)
