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2017: LCD Soundsystem – American Dream

Posted on by Michel Donais

Après les adieux, le retour espéré!

Album: American Dream
Artiste: LCD Soundsystem

En test: 2017 Vinyle double (RSD Black Friday)

Étiquette: DFA et Columbia / Sony
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Nos amis de LCD Soundsystem sont de retour avec un nouvel album sur ce projet. Il faut se rappeler qu’en 2014, ils nous ont servi The Long Goodbye, un spectacle où ils ont joué toutes leurs chansons et ont servi de point d’orgue à leur carrière, leur dernier album réel datant de 2011. Alors pendant même qu’ils sont en tournée internationale d’adieux, de se faire servir un nouvel album entier dont le matériel date de 2015 et 2017, je trouve ça limite prendre les gens pour des gourdes. Oui, on quitte, on ne fait rien d’autre entretemps, mais on revient une année après notre finale pour un simple, et on revient deux années plus tard avec un album. Je comprends James Murphy (l’instigateur et chanteur du groupe) : le groupe, marginal à souhait, reste extrêmement prisé du public malgré son aspect champ gauche assumé.

Et ce nouvel album est du pur et dur LCD! Rythme assumé, guitares dissonantes (l’exemple clair est la chanson Change Yr Mind, face 1B), voix toujours approximative de Murphy comme on l’aime. C’est fait pour danser et s’amuser! Et eux aussi se sont amusés, ça paraît. Locked grooves (la dernière note de la face est soutenue sur la piste infinie de la fin du disque), des percussions, des chansons prenant tout leur temps pour se développer, des atmosphères différentes à chaque piste, c’est tout ce qu’on aime d’eux!

Et côté sonorité, LCD nous ont habitué à de la qualité. Leur spectacle The Long Goodbye a été mixé analogique pour la version vinyle et numérique pour la version CD. Leurs albums sont enregistrés de façon impeccable pour vinyle ainsi que pour CD. L’album n’est pas trop une exception, il n’est pas parfait, mais il est vraiment excellent quand même. Bob Weston, qui a réalisé leur gravure vinyle, a fait un très bon travail de conserver beaucoup de dynamisme tout en compressant les excédents. Je ne suis pas d’accord sur certains traitements (dont How Do You Sleep? qui compresse de plus en plus à mesure que la chanson avance), mais l’album entier est un bonbon à écouter.

On achète si on aime Arcade Fire, Tame Impala, Franz Ferdinand, The Decemberists, Sufjan Stevens.

En rafale: RSD Black Friday 2017 – Les simples

Posted on by Michel Donais

Beaucoup de disques simples valaient la peine cette année au Record Store Day, mouture Black Friday. Comme d’habitude, il y avait une quantité effarante de matériel prévu pour faire des sous, une bonne quantité d’albums réchauffés de Noël, quelques nouvelles sorties, mais il y avait beaucoup de disques simples qui valaient aussi la peine, en partant des nouveautés aux rééditions justifiées.

Tous les lecteurs de mes chroniques savent à quel point j’apprécie les disques 12″ simples. Qualité, précision, dynamisme, aucune limitation et aucune perte, volume maximal et peu de bruit de fond. J’ai été choyé cette année. Voici mes achats et mes commentaires sur ces derniers.

Chanson face A : My Definition of a Boombastic Jazz Style
Artiste : Dream Warriors

V.O. : 1990 Vinyle 12″ 45RPM simple (US)
4th & Broadway
12 BRW 197

Chanson face B : Wash Your Face In My Sink
Artiste: Dream Warriors

V.O. : 1990 Vinyle 12″ 33RPM simple (Canada)
Island Records
IS 1294

En test : 2017 Vinyle 7″ 45RPM simple

Étiquette : Universal Music
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Débutons avec une bombe torontoise des années 90. Les deux chansons proposées ici sont les deux premiers simples de Dream Warriors, Wash Your Face In My Sink étant la chanson qui les a fait découvrir, et My Definition of a Boombastic Jazz Style étant la chanson qui a été leur one-hit wonder. Il n’y avait jamais eu de réédition de ce disque depuis les années 90 alors c’est une bonne idée que d’en faire une version-compilation de bonne qualité.

C’est rare que j’achète des 7″ simples, je préfère me concentrer sur les douze pouces personnellement. Toutefois, je vais faire une exception de temps en temps. Et je suis vraiment heureux d’avoir fait cette exception : le disque est superbe, la qualité de l’enregistrement est superbe, tous les détails y sont. Mais on peut aussi bien évidemment entendre tous les défauts de production des chansons. On entend toutes les pistes individuellement et ne semble avoir aucune cohésion : la basse omniprésente ne touche pas à la piste d’échantillonnage, qui ne touche pas à la voix. Ce n’est pas vraiment un défaut vu que la reproduction nous expose même cet air du temps, et c’est drôle à écouter à cause de ça.

Là où on peut déchanter légèrement, c’est le prix. Une vingtaine de dollars pour deux chansons de disques traînant toujours en parfait état dans des boîtes à 1 $, ce n’est peut-être pas le meilleur investissement de son argent.

Album : Feels
Artistes : Calvin Harris, feat. Pharrell Williams, Katy Perry et Big Sean

En Test : 2017 Vinyle 12″ Picture Disc simple

Étiquette : Sony/Columbia
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Utilisez votre voix radiophonique afin de dire «le succès de l’été poste-de-radio», sauf en version automnale. C’est le succès de l’heure, joyeux et sympa, qui sera probablement oublié dans quelques années, mais qui est vraiment amusant à écouter ? Ici, vous allez payer pour une seule chanson, qui n’a pas de version étendue ou instrumentale sur la deuxième face : c’est une gravure rigoureusement identique sur les deux côtés du vinyle! Et ce n’est pas une version plus ou moins étendue de la chanson, c’est simplement la version album de la chanson, tel qu’on la retrouve partout ailleurs.

On paye donc une quinzaine de dollars pour une chanson! Et encore une fois, ceux qui me suivent savent à quel point je déteste les picture disc, même s’il y a de nouveaux procédés de gravure permettant d’obtenir une meilleure qualité, c’est toujours un sérieux coup de dés. Dans mon cas (je ne m’avancerai pas pour les autres), j’ai été hautement surpris de la qualité de la gravure et la qualité de reproduction! Peu de bruit de fond, une gravure exemplaire réalisée spécialement pour le vinyle par un des grands ingénieurs de gravure, avec des instruments réels joués par Calvin Harris. Pour ce style musical, c’est une très grosse surprise, mais c’est la bombe, sur un superbe disque, avec une très belle pochette… pour une seule chanson!

Album : Disco Devil
Artiste : Lee Perry and the Full Experiences

V.O. : 1977 Vinyle simple 12″
Upsetter

En Test : 2017 Vinyle simple 12″ rouge

Étiquette : Get On Down
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Réédition totalement justifiée, Disco Devil est un disque impossible à acheter en version originale. Même la réédition des années 2000 est rendue très dispendieuse et a probablement été jouée par un DJ à outrance. Disco Devil, c’est la chanson Chase The Devil de Max Romeo, coécrite par Lee Scratch Perry, mais en version dub jamaïcaine telle qu’on les aime : boîte à écho et réverbération omniprésente, de la basse et un groove à faire fondre toute la neige de la planète, mais surtout une des meilleures chansons du style, un essentiel pour les amateurs de dub.

Et côté qualité, c’est vraiment excellent! Il faut dire qu’on a affaire à Get On Down, une étiquette de réédition de disques vinyles spécialisée dans des disques absurdes. Leurs disques? Christmas in Hollis de Run DMC, des Wu-Tang Clan, des Mantronix, des Cypress Hill. Et je n’ai rien à redire sur ce disque légendaire.

Album : We Are The Champions / We Will Rock You
Artiste : Queen

V.O. : 1977 Vinyle 7″ simple (R.-U.)
EMI
EMI 2708

En Test : 2017 Vinyle simple 12″

Étiquette : Hollywood Records
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Une autre rareté. Ce simple 7″ n’avait jamais fait l’objet d’une version 12 pouces. En fait, si, selon Discogs, mais en disque pirate. Alors il commençait à être temps! Récipiendaire de la pire pochette de disque, encore pire que la version originale et il faut le faire, ça reste un incontournable. Les plus observateurs remarqueront que mon disque est sur We Will Rock You (la face B). Je vais remercier EMI de n’avoir pas voulu faire une révision historique, la chanson We Are The Champions étant considérée comme la chanson à promouvoir en 1977. Aujourd’hui, les deux chansons sont indissociables et ils auraient très bien pu décider de mettre les deux unes à la suite de l’autre, surtout que l’album dure un gros cinq minutes, laissant amplement d’espace sur le disque afin de ne pas couper dans la qualité.

Côté gravure, je dois avouer que je suis déçu. Le disque m’est arrivé légèrement gondolé, le disque possède un popcorn très léger. Mais surtout, avec tout l’espace dynamique de gravure possible, ils ont quand même décidé de baisser le volume du rythme à l’arrivée du solo dans We Will Rock You. Sans blague. Au moins, We Are The Champions n’a pas un tel problème, la chanson coule de souche. Bref : c’est pour collectionneurs, c’est embêtant à écouter deux minutes, de changer la face et d’écouter trois autres minutes, et la pochette est laide. Mais ça reste la meilleure version des chansons pour la qualité en vinyle. Pas parfaite, pas ultime, mais très bonne.

Album : The Blackout
Artiste : U2

En Test : 2017 Vinyle simple 12″ (200g?)

Étiquette : Third Man Records, Island Records
TMR-522

Nouveauté de la part de U2, dans le style discothèque du groupe. Comme pub de leur futur album Songs of Experience, ils ont décidé de faire une version en simple de la chanson et la proposer au RSD. Bonne idée! Encore meilleure idée, de faire une collaboration entre Island et Third Man Records, et de produire une version absolument exceptionnelle du disque! Je n’ai pas vu d’indication, mais le disque est au bas mot 180g, j’opte plus pour un 200g personnellement. Le disque est plat comme une crêpe, il est enregistré avec passion et joie, et la qualité est exceptionnelle. Je ne tournerai pas autour du pot en deux paragraphes ici, rien n’est inadéquat… sauf peut-être la version dance de la deuxième face qui fait réellement penser à des remix génériques des années 90. Mais ça, c’est une question de goûts et je ne m’en formaliserai pas.

Album : Chase Me
Artistes : Danger Mouse, feat. Run The Jewels et Big Boi

En test : 2017 Vinyle simple 12″ 33RPM

Étiquette : Sony/Columbia
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Pour terminer cet article en rafale, une autre nouveauté, cette fois-ci du breakbeat hip-hop funky, gracieuseté de Danger Mouse à la musique et Run The Jewels aux paroles. Sur cette all-star, on a droit à une chanson amusante à écouter avec de la basse à profusion, un production de qualité et avoir le goût d’écouter le film d’où cette chanson provient.

Pourquoi 33 tours quand on a droit à 8 minutes par face, c’est un questionnement… mais à part un disque légèrement gondolé et un 33 tours, tout est parfait sur ce disque. L’écoute est amusante et sensée, les quatre versions proposées sont parfaites pour les turntablists et scratchers, mais bien entendu aussi pour l’écoute dans le salon.

2017: Slowdive – Slowdive

Posted on by Michel Donais

Les boules à mites Shoegaze des années 90 resurgissent!

Album: Slowdive
Artiste: Slowdive

En Test: 2017 Vinyle en encart (Édition limitée argent)

Étiquette: Dead Oceans
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Slowdive est un groupe musical britannique de Reading spécialisé dans la musique Shoegaze, ce style musical composé de guitare planante, effets, échos et réverbérations, un peu comme du Radiohead, mais sur les bonnes herbes et sans côté grinçant. Ils étaient tous très jeunes lorsqu’ils ont démarré le groupe en 1989, dans la fin de leur adolescence. Le groupe a connu un début relativement prometteur dans leur style rock indépendant, avant de faire un premier album auquel les critiques n’ont pas adhéré, trop indépendant, pas assez, trop, etc. Ils ont eu la malchance de se faire vertement critiquer par leurs « admirateurs » de la sorte, au point où le groupe remit tout en question et détruisit leur deuxième album avant de le recommencer avec la collaboration de Brian Eno et un style encore plus minimaliste et épuré. Avec une étiquette du moment qui cherchait une sonorité plus consensuelle, ce n’était pas l’amour. Deux ans plus tard, leur troisième album, encore plus minimaliste et épuré, fut leur chant du cygne avec l’étiquette qui les mit à la porte. N’empêche que si vous aimez Brian Eno, Seefeel et d’autres groupes minimalistes, ces trois albums sont incroyables, ils sont chaudement à recommander. Les admirateurs ont peut-être décidé que le groupe n’était pas pour eux, mais le temps a donné raison à Slowdive.

Arriva 2014 où le groupe se reforma, le temps d’un festival… et de se faire signer par Dead Oceans et produire un nouvel album! C’est cet album, éponyme, un retour vers leur première sonorité un peu plus shoegaze, un peu moins abstraite et minimaliste (sauf pour la dernière chanson). Ce dernier album est un plaisir à écouter, musique très animée, voix en contrôle et retrouver ses pantoufles Slowdive.

Côté sonorité, c’est un superbe travail de production qui a été effectué sur cet album. Que ce soit le superbe travail de matriçage de l’Égyptienne Heba Kadry ou la gravure sur disque vinyle par Josh Bonati, une sonorité très douce, mais avec une forte présence de chaque instrument. Compression globale de l’album, mais sans exagération, on a une impression aérienne malgré tout, c’est parfaitement dosé. Quel beau cadeau pour cette année 2017.

On achète si on aime My Bloody Valentine (en plus doux), Mogwai, Alt-J, The Black Angels.

Réédition RSD 1969/2017: Shocking Blue – At Home

Posted on by Michel Donais

She’s Got It, yeah baby en vinyle bleu!

Album: At Home
Artiste: Shocking Blue

V.O.: 1969 Vinyle en encart
Pink Elephant (Pays-Bas)
888.001

En Test: 2017 Vinyle bleu, étendu, en encart RSD
Reprise de la version 2010 vinyle 180g

Étiquette: Music On Vinyl, Red Bullet
MOVLP119, RB 33195

Shocking Blue est un groupe de La Haye qui a eu un certain succès avec la chanson Venus, reprise une quinzaine d’années plus tard par Bananarama. Dans les faits divers, la chanson Venus n’apparaît pas dans la version originale de l’album, mais bien dans les versions internationales de l’album. C’est d’ailleurs un méli-mélo de versions de cet album qui nous est présentée dans tous les pays, parfois avec, parfois sans Venus. Dans les autres chansons connues de cet album, on compte Long and Lonesome Road, reprise dans Je suis fatigué de Quest Pistols ainsi que des reprises de Nirvana et des échantillonnages par The Prodigy de Love Buzz. Bref : un groupe qui a composé des chansons qui ont fait le tour de la planète, mais un groupe musical qui n’a connu aucune notoriété réelle.

At Home est leur deuxième album, leur premier avec Mariska Veres au chant, celui qui a eu le plus de succès. Mais ça s’arrête un peu là pour le groupe. Et ce n’est pas par manque de qualité, les chansons proposées sont un rock psychédélique assumé, cernant parfaitement l’année du Flower Power, une excellente qualité d’interprétation. Même si on ne reconnaît réellement que Venus dans le lot, reste que le reste de l’album est très solide.

Et cette version… ultime? Il s’agit ici exactement de la même mouture que la version 2010, provenant de la numérisation des bandes maîtresses. On y retrouve les mêmes défauts numériques, y compris un saut numérique à la fin le la deuxième piste, des blancs numériques entre chaque piste. Et à vouloir ajouter du matériel, Music On Vinyl a mis aux alentours de 25 minutes de musique sur la première face, et une vingtaine sur la deuxième, le tout avec le volume maximisé, alors la première face est plus faible qualitativement parlant (et en volume) que la deuxième. La chanson Venus étant la chanson connue du lot, d’une autre session, elle eut droit à un traitement légèrement différent. Elle détonne donc un peu. Autant la qualité du produit est habituellement excellente, autant ça sonne faible, friable, criard, surtout la cithare, surtout dans The Butterfly And I. On n’a pas réellement d’âme sur la version, ce qui est dommage. Très dommage.

On achète si on aime Jefferson Airplane, The Animals, The Mamas And The Papas.

 

 

Rééditions 1974, 1982/2009, 2017: Roxy Music – Country Life & Avalon

Posted on by Michel Donais

Les pionniers rock, punk, pop, synth, mouture 2009 et 2017

Roxy Music est un groupe de musique archiméconnu, en fait, on reconnaît plus la pochette de Country Life, honnie des censeurs, que le groupe de musique. Et le style qu’ils présentent avec cette pochette ne représente pas du tout le niveau de sophistication de leur musique. Le groupe britannique, démarré en 1970 par Bryan Ferry avec entre autres Brian Eno pour les premières années est une avant-garde du mouvement punk, malgré que leurs chansons soient plutôt bon enfant et sympathiques. Eno quitta rapidement et il y eut quelques changements de cap à travers leur histoire, mais le groupe resta relativement stable avec Bryan Ferry à la voix et clavier, Phil Manzanera à la guitare, Paul Thompson à la batterie et Andy Mackay aux saxophone et hautbois.

Une des caractéristiques de Roxy Music est la qualité relativement constante de leurs offrandes. Les critiques peuvent ne pas aimer ou adorer un disque, les admirateurs vont aimer à peu près tous les disques. Même Flesh+Blood (1980) est aimé et possède son lot de bonnes chansons. N’empêche, je vais me concentrer sur deux de leurs meilleurs albums : Country Life (1974) et Avalon (1982).

Album : Country Life
Artiste : Roxy Music

V.O. : 1974 Vinyle (R.-U.)
Island Records
ILPS 9303

En Test : 2009 Vinyle 180g

Étiquette : Virgin Records
509992 43649 11

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Probablement leur disque le plus connu, c’est un disque étrange alliant le glam rock, le protopunk, la pop, le oldies (pour le temps), les synthétiseurs sur des chansons presque bonbon et une voix glam donnant une impression de Ziggy Stardust avant son temps. L’album s’écoute autant avec un verre de whisky, de bourbon, un cocktail sophistiqué ou une ligne de cocaïne. Les chansons se suivent et ne se ressemblent pas, les styles semblent sortis d’un endroit louche et on comprend mieux l’obsession sur les stylistiques pin-up de leurs premiers albums, jusqu’au style Page 3 du Sun de Stranded (leur 3e album) et de Country Life.

Et la version 2009? Virgin ressortit une version rematricée en 180 g, plus de 10 ans après leur copie CD. Aucune raison apparente, bulle au cerveau de la part de Virgin probablement. Ce que je sais, c’est que l’album sonne friable et la gravure manque de finesse et de souplesse. Bruit de fond, décentrage à la face B, vagues de bruit de fond à la fin de la face A, popcorn. C’est un peu la totale. Quand je dis que je n’aime pas nécessairement les 180 g, c’est pour toutes ces raisons : un disque à grand déploiement sur 180 g va user prématurément les matrices de gravure et si la compagnie pressant le disque ne prend pas un soin exceptionnel afin de remplacer les moules régulièrement et de s’assurer qu’ils ne se sont pas détériorés dans le processus, on va se retrouver avec tous ces problèmes au fur et à mesure des gravures. Bref : je ne suis pas chanceux et hélas la qualité s’en ressent un peu. Votre copie sera probablement meilleure que la mienne. Mais il existe dorénavant la version 2017! Voyons ça avec leur offrande de 1982.

Album : Avalon
Artiste : Roxy Music

V.O. : 1982 Vinyle (R.-U.)
E.G. Records
EGHP 50

En Test : 2017 Vinyle
Universal Music Catalogue
0602537848812

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Leur deuxième disque le plus connu, si vous vous attendiez à la même chose, vous allez être définitivement déçu : exit le début du punk rock, presque exit le rock en fait, ce disque serait un parfait album de Tears for Fears ou de Thompson Twins ou même du Sade. Ils ont décidé que les années 80, c’était pour eux. Adieu aussi le côté rebelle des modèles dénudées. C’est une toute autre bête qui nous est présentée ici, c’est de la pure et dure synth pop, du smooth jazz, limite New Wave avec le petit côté rebelle du groupe punk repenti, sans trop. Regardez la pochette du disque, c’est exactement ça : c’est riche, beau, sympathique. C’est Brian Wilson avec She & Him sur In the Island versus les chansons d’origine des Beach Boys.

Et cette fois-ci, 2017 est-elle une belle année ? Le matriçage d’origine de 1982 a été produit par Bob Ludwig et c’était dans ses excellentes réalisations, c’est assez difficile de faire mieux. La tâche a été laissée à Miles Showell pour faire les versions du coffret 2017, de façon notoire, il a repris les versions numériquement et les a retravaillés en 96/24. À écouter la version d’Avalon, je crois, et quelques manquements analogiques ça et là (dont la dernière minute de While My Heart Is Still Beating) me font penser que la détérioration de beaucoup de bandes commençait à se faire sentir, d’ailleurs, selon ce que j’ai lu, la version numérique daterait carrément de dix années après que la bande maîtresse ait été créée, après, le ruban aurait été irrémédiablement dégradé! Et comme les bons pressings de Roxy Music commencent à valoir leur pesant d’or, je dirais que c’est de bonne guerre que de travailler en numérique. Côté pressing, c’est beaucoup, mais beaucoup mieux que la version 2009. Si vous pouvez, prenez les versions d’origine. Sinon, les versions 2017 sont fort honnêtes même si elles ne sont pas parfaites. Ma recommandation pour les 2017 : Stranded, Country Life, Siren, Avalon. Le reste ne vaut pas réellement la peine.

 

2017: Pierre Kwenders – Makanda

Posted on by Michel Donais

La force du dépaysement local

Album: Makanda at the end of space, the beginning of time
Artiste: Pierre Kwenders

En Test: 2017 Vinyle rose

Étiquette: Bonsound
BONAL054-LP

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Pierre Kwenders en est à son deuxième disque. Son premier disque, Le dernier empereur bantou, est un chef d’œuvre de musicalité électro-africaine, à découvrir et à redécouvrir hélas uniquement sur CD. Mais ce disque a propulsé en stratosphère le charismatique Kwenders, il est dorénavant en demande internationale et c’est un de nos grands artistes qui sait rayonner la joie montréalaise. Parce que oui, depuis son adolescence, Pierre Kwenders est québécois d’adoption, et ce qui est passionnant dans son cas musical est que ses cultures s’entremêlent au point où on ne sait pas si c’est de la musique de Seattle, du grand Montréal, du Congo ou d’ailleurs : c’est un amalgame improbable, unique et passionnant. Ce n’est pas pour rien qu’il fait partie des grandes nouveautés à découvrir tant aux États-Unis, à Paris qu’ici et ailleurs.

Avec Makanda (« La force » en tshiluba, langue de la République Démocratique du Congo), Pierre Kwenders arrête d’être accessible et y va avec un dépaysement total! On y reconnaît bien la musique africaine, les relents d’afrobeat (post-afrobeat?), mais on doit y ajouter aussi le dub, une touche de Lamar avec son hip-hop jazzé, de l’expérimental et on y retrouve aussi des influences montréalaises de Poirier et de Moffat. Mais surtout, influences de Shabazz Palaces de Seattle avec leur hip-hop expérimental. Inaccessible? Absolument pas! Après le dépaysement, on entre dans une musique chaude à faire fondre les hivers, à danser à 40 degrés légèrement vêtus, sourire et joie au visage et au corps.

Et cet album, sonorité du tonnerre ou…? D’emblée, le vinyle est presque le même prix que le CD : sautez dessus. Sans blague. Peu importe si la sonorité est mauvaise ou non, c’est une excellente occasion! Pour moins qu’un petit café, vous avez la version vinyle. Et je vous rassure immédiatement, le vinyle est fantastique! La prémisse est un vinyle rose avec plus d’une vingtaine de minutes par face, avec une quantité impressionnante de basses, donc ça augure mal. Mais il n’y a presque pas de bruit de fond, la sonorité est pure et belle, enregistrée à Seattle avec passion dans le studio de Shabazz Palaces justement avec leur ingénieur de matriçage à Portland, Orégon. L’album a été enregistré sur rubans et ces derniers confèrent toute la chaleur nécessaire à virer complètement fous sur la piste de danse. Oubliez la version numérique, allez-y avec le vinyle! Twasakidilà wa bunyi!

 

2017: Pierre Lapointe – La Science du Cœur

Posted on by Michel Donais

Lapointe, rien de moins!

Album: La Science du Coeur
Artiste: Pierre Lapointe

En Test: 2017 Vinyle rose

Étiquette: Audiogram, Sony Music
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Je vais bien être honnête avec vous, je ne suis pas du tout un admirateur de Pierre Lapointe. Son style ne me plaît pas, il n’est pas du tout mon genre, côté musical. Ouf! Je l’ai sorti de mon cœur! Et vous savez quoi? Plus il s’affine, plus il sort des disques, plus les ressemblances avec les styles des chansonniers français de la belle époque des Piaf, Brel, Brassens et Vian sont frappantes. Chaque disque qu’il sort, il prend du gallon, il est plus qu’un simple émule, mais il démontre à quel point son style de nouvelle scène française est réel, à quel point il est vrai dans cette expérience. Ce n’est pas qu’un style, c’est vraiment sa personne entière. Le côté populaire obligé a été déjà écarté par Audiogram; les incertitudes en tant qu’artiste qui veut trop sont passées. Et ce disque… ouf! Quel disque! On voyait la progression depuis quelques années. D’abord un Punkt pour se briser des Sentiments Humains, un Les Callas fou en progression logique, un album Paris Tristesse au piano, et finalement : ça!

C’est quoi ça ? Adieu les synthétiseurs omniprésents et le yéyé pop clinquant, on a droit à un vrai orchestre à cordes, de réels instruments, des pianos, des cuivres, de la percussion. On a droit à une entrée en matière à la Vian, un crescendo stylistique. Et la finale : un chœur! Je peux décrire cet album incroyable selon ces termes : c’est lui, enfin, et rien de moins. Je ne m’attends pas à ce qu’il garde ce style ou ces moyens pour le reste de sa vie, mais il était plus que temps qu’il sorte ce chapeau de son sac. Ça ne veut pas dire qu’il reste dans l’ancien temps, on a des Alphabet anachronisme de l’album à rythme électronique. Mais justement, ce disque est assumé.

Et la qualité du disque ? … C’est un Pierre Lapointe, c’est du Audiogram, come on, on descend un peu ses attentes. C’est magique ! Quel disque! Le mixage de Stéphane Reichart est divin, parfaitement appuyé par le matriçage de Greg Calbi du mythique Sterling Sound de NYC. Ce dernier a des grands disques, mais aussi des citrons alors ce n’est pas une référence, mais ne suffit que dire qu’il roule sa bosse depuis plus de 40 ans et qu’il sort encore aujourd’hui un disque par semaine au bas mot. Sa façon de procéder est de donner exactement ce que la production exige de lui, alors si c’est pour avoir le volume le plus fort, il va le faire. Mais si on exige de lui une production impeccable, il va le faire aussi! À avoir! Que ce soit pour les quelques coups d’extrêmes-graves électroniques d’Un Cœur, les sforzando de Comme un Soleil, la progression de La Science du Cœur, la simplicité pianistique, l’électro d’Alphabet ou la calme finale d’Une Lettre, c’est juste beau!

Ça y est, j’appréciais avec Punkt, j’ai aimé avec Les Callas, et là, je suis fan! Merde.

On achète si on aime Louis-Jean Cormier, Damien Robitaille, Daniel Bélanger. Sans compter les Alain Souchon, Nino Ferrer, Jacques Brel, Charles Aznavour, enfin vous voyez le topo.

Réédition 2004/2017: The Secret Machines – Now Here Is Nowhere

Posted on by Michel Donais

Machines secrètes en blanc et rouge

Album: Now Here Is Nowhere
Artiste: The Secret Machines

V.O: 2004 Vinyle double en encart (Europe)
Reprise Records, 679 Recordings
9362 48544-1

En Test: 2017 Vinyle double en encart numéroté

Étiquette: Run Out Groove, Reprise Records, 679 Recordings
ROGV-008

Acheter le disque vinyle double chez Fréquences (attention, il m’en reste qu’un ou deux!!!)

The Secret Machines a eu une vie courte, mais intense. Groupe alternatif indépendant de rock qui a été comparé à trop de grands (Led Zeppelin et cie! Sérieusement?), a eu quelques moments chanceux de publicité et a pu faire des spectacles en première partie de beaucoup de grands. La musique qu’ils produisent est tout aussi intense : du gros rock très sale, avec beaucoup de distorsion, des claviers électroniques, de la guitare et basse à profusion et un batteur jouant avec vraiment trop de verve. C’est un groupe tout-ou-rien.

Arriva Now Here Is Nowhere, leur premier disque. Quelques succès d’estime, une chanson utilisée dans un jeu vidéo, et une belle lancée. Ce disque vinyle de 2004 a su exiger un prix prohibitif, se nichant dans la zone grise entre un indépendant ne pouvant sortir trop de copies par manque d’intérêt général et un disque commercial qui n’a pas assez de copies pour plaire à tous les acheteurs potentiels. Merci à cette édition (encore une fois) limitée, on a droit à une nouvelle version un peu plus abordable, respectant en tous points la version originale de 2004.

Et le disque double, justement ? Il est bizarre. La face 1A et 2B n’ont qu’une longue chanson, jouissive de qualité, aucune compression apparente, de la force, de la basse, de l’âme. Et les faces 1B et 2A ont entre 12 et 16 minutes chacune, matériel à volume légèrement réduit et beaucoup plus compressé. C’est donc deux niveaux de bêtes dans le même disque. Est-ce que ça veut dire que la sonorité est affectée? Mmm, un peu! Ça aurait pu être mieux distribué sur les faces, même si je conçois le message que le groupe a voulu passer et que les chansons 2 et 3 (Sad and Lonely et The Leaves Are Gone) devraient être jouées en suite. Mais on y perd un peu. N’empêche, les explosions de puissance du groupe y sont, ainsi que la basse omniprésente. Donc devrais-je réellement me plaindre? Ouf! Quel disque! À jouer à tue-tête!

On achète si on aime Interpol, Broken Social Scene, Malajube, The Stills.

2017: P!nk – Beautiful Trauma

Posted on by Michel Donais

Traumatisme Pop

Album: Beautiful Trauma
Artiste: P!nk

En Test: 2017 Vinyle double en encart

Étiquette: RCA, Sony Music
8985-47469-1

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P!nk est de retour cinq années après son dernier disque, The Truth About Love, qui a été un succès autant commercial que de critiques. Beautiful Trauma est un peu un entre-deux, plus personnel, mais plus commercial; plus commercial, mais moins radiophonique et explicite à souhait; plus explicite et edgy, mais beaucoup plus pop et moins rock. C’est drôle comme progression, P!nk a tout brisé ses premiers contrats et son style qui l’envoyait vers de la pop-bonbon, ses deux disques Try This et I’m Not Dead étant beaucoup plus rock, les disques suivants allant dans une progression oldies et style alternatif. Mais ici, c’est un retour vers de la pop avec très peu de rock. Et ça suit la vogue des disques à histoires personnelles comme Lemonade de Beyoncé.

Et c’est d’ailleurs, peut-être, le problème avec P!nk : son côté rebelle est obnubilé par sa pop. Problème? Ou plus grande force? On le sait avec ses spectacles, elle en met plein la vue, elle est très physique, elle n’a pas de filtre et elle s’amuse. En même temps, elle réussit à sortir des disques adorés par ses admirateurs et même par la population en général. La preuve, le 23 mars 2018, elle va être au Centre Bell et j’ai eu au moins une vingtaine d’amis et amies de tout acabit qui vont aller la voir. D’ailleurs, si je me fie à ses spectacles précédents, ça risque d’être fou! Il faudrait qu’elle passe au Zaricot à Saint-Hyacinthe, ça, ça serait un bon spectacle!

Mais ok, trêve de plaisanteries, son disque, il est comment? C’est un disque double avec très peu de musique par face. Mais il possède son lot de bruit de fond et la face 1A est décentrée sur mon disque (matrice de pressage mal installée). Par contre, le disque a été produit par et pour du vinyle. Dave Kutch, l’ingénieur de pressage le plus sexy de l’industrie, a fait un travail exceptionnel de matriçage. Les chansons ont tout l’espace pour se déplier et montrer de quel bois elles chauffent. On n’a qu’à voir la chanson Where We Go, qui prend toute sa place en basse, en aigus. On entend aussi la voix de P!nk qui utilise des micros différents et on entend toute la différence que ces derniers procurent à sa voix. C’est la preuve d’une exceptionnelle gravure! Dommage pour le bruit de fond et le décentrage.

On achète si on aime Beyoncé, Gwen Stefani, Sia, John Legend.

2017: Mogwai – Every Country’s Sun

Posted on by Michel Donais

Post-rock sauce Écossaise

Album : Every Country’s Sun
Artiste : Mogwai

En Test : 2017 Vinyle transparent double en encart

Étiquette : Temporary Residence Limited
TRR291LP-C1

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Mogwai est un des anciens du post-rock, beaucoup plus consensuel et moins politisé que nos Godspeed You! Black Emperor, beaucoup plus planant et en accords de do, beaucoup moins de surprises. Convenu aujourd’hui. Mais qui peut les blâmer quand on est un peu dans les groupes-phares du post-rock. Présentement, Mogwai est en train de lire cette critique et ils sont en train de me détester, parce que ces derniers ne se sont jamais considérés comme étant Post-Rock. Pour eux, et cet album le prouve bien, ils sont plus pop-rock planant, cosmique, beaucoup moins ce qu’on peut appeler post-rock. Donc le côté consensuel est absolument assumé vu que pop, et le côté rock et shoegaze est beaucoup moins assumé, et plus un incident de parcours qu’autre chose. Hormis leur premier album, on peut aussi considérer qu’ils sont instrumentaux, même s’ils ont utilisé les paroles à diverses reprises.

Et qu’est-ce qui peut ressembler plus à un album de Mogwai qu’un autre album de Mogwai? Ils sont très rigoureux dans leur approche, ils ont toujours sorti une même sauce assumée, parfois plus pop, parfois plus expérimentale à la Seefeel, parfois plus disco à la M83, parfois plus post-rock à la GY!BE, mais c’est immanquablement du Mogwai. D’ailleurs, on ne peut pas réellement sortir un album du lot et dire que cet album est la bombe et s’en servir comme base de comparatif, ils sont tous excellents, ou tous Mogwai. Le seul qui ressort réellement du lot est leur tout premier album, Young Team, pour leur côté beaucoup plus expérimental. Mais est-ce réellement du Mogwai? Cet album, Every Country’s Sun, a des chansons légèrement pop, mais ce qu’on retient, c’est qu’il est un retour vers le post-rock cosmique : ça plane, ça shoegaze et ça nous emmène dans des beaux environnements sonores, très consensuels encore une fois.

Côté qualité, ça ressemble à quoi ce vinyle ? Comme d’habitude, malgré les aléas d’une étiquette à un autre (ils ont entre autres endisqué pour Matador, ensuite pour Sub Pop, et ici, c’est leur premier disque sur Temporary Residence), ils sortent une superbe qualité de produit. Beau disque, belle pochette, on m’a dit beaucoup de bien du 3e disque du coffret (mais je ne l’ai pas alors c’est des oui-dires). Tenez, c’est le temps d’ajouter un petit « je travaille comment? » : lorsque je perçois un problème sur ma copie de disque, je vais aller me faire influencer par les commentaires sur les différents réseaux (Discogs, Allmusic, les autres critiques), juste pour voir si c’est ma copie ou si c’est généralisé. La face B de mon disque est légèrement décentrée et avec des chansons planantes où les accords restent de longues minutes, c’est facile d’entendre le disque changer de vitesse… et hélas, ce n’est pas juste moi qui suis malchanceux, la personne qui a réalisé l’impression du disque l’a fait à la va-vite et le disque est imprimé décentré.

C’est d’ailleurs un des problèmes avec les vinyles modernes : les entreprises réalisant les gravures n’ont plus d’équipes dédiées à écouter les disques à chaque lot d’impression. Dorénavant, les disques sont envoyés en fichiers numériques, sont gravés sur un disque maître, sont (si on est chanceux) écoutés une fois et ensuite, ils sont imprimés et envoyés aux magasins de disque. Auparavant, il y avait une équipe dédiée à l’écoute des lots et s’il y avait un problème, les disques étaient détruits et réimprimés. Vu que c’est dorénavant un marché de niche, les vinyles ne sont plus détruits à moins d’une très grave erreur. Un décentrement? Pas grave. Une pause numérique de 0.5sec entre deux pièces qui auraient du jouer une à la suite de l’autre? Ça coûterait trop cher de les réimprimer alors pas grave.

Alors voilà, le disque de Mogwai, face B, pour beaucoup de copies, est décentré légèrement. Grave? Non. Manque d’attention? Bah, oui. Est-ce que ça empêche réellement de réaliser une bonne écoute? Légèrement si on chipote, mais pas vraiment. Pour le reste, le disque est vraiment bon et une valeur sûre à acheter. C’est un des bons Mogwai et c’est un bel endroit où commencer sa découverte de ce groupe si vous ne les connaissez pas!